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PREMIO NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS

El Premio Nacional de Arte de Chile, fue creado por la Ley n.º 7.368 promulgada el 9 de noviembre de 1942. Se entregaba anualmente desde 1944 y alternaba la mención entre pintura o escultura, música y teatro.

En 1992, fue reemplazado por los premios nacionales de Artes Plásticas, Artes Musicales y Artes de la Representación y Audiovisuales por la Ley N.º 19.169. 

 

Pedro Pablo

Burchard Eggelin

 

(Santiago, 4 de noviembre de 1875 - 13 de julio de 1964)

 

Fue el primer pintor chileno en recibir el Premio Nacional de Arte. A nivel estilístico adhirió al Grupo Montparnasse. Estudió arquitectura en la Universidad de Chile, y luego arte en la Academia de Bellas Artes de Santiago, donde tuvo como maestros a los chilenos Cosme San Martín y Pedro Lira, y al español Fernando Álvarez de Sotomayor.

 

En su juventud, junto a artistas e intelectuales, frecuentó la Colonia Tolstoyana, un proyecto artístico que, inspirado en la experiencia comunitaria con el campesinado del filósofo ruso León Tolstoi, proponía crear una comunidad en un lugar alejado de la ciudad, para educar al pueblo a través del arte.

 

Fue profesor en la Escuela Secundaria de Talca y en el Liceo de Niñas N° 6 de Santiago. Entre 1932 y 1959 fue docente de la Cátedra de Pintura y Paisaje de la Escuela de Bellas Artes, y su director entre 1932 y 1935. Entre sus discípulos destacan Adolfo Couve, José Balmes y Roser Bru.

 

Durante su carrera artística desarrolló los géneros del retrato, paisaje y naturaleza muerta, concentrándose en la representación de objetos cotidianos como puertas, muros, etc. El estilo de su pintura se aleja de temáticas clásicas como la historia, mitología, religión, literatura clásica y del academicismo.

 

En 1939 obtuvo el Premio Medalla de Plata, en la Latin American Exhibition of Fine Arts and Applied Art, Riverside Museum, Nueva York, Estados Unidos y en 1941 el Premio de Honor en la Exposición del IV Centenario de la Fundación de Santiago, entre otros galardones. En 1944 se convirtió en el primer pintor en recibir el Premio Nacional de Arte, mención Pintura y 11 años más tarde fue nombrado Miembro académico de la Universidad de Chile.

Pedro Abelardo

Reszka Moreau

 

 (Antofagasta, 10 de junio de 1872 – Santiago, 6 de marzo de 1960)

 

Fue un pintor chileno, cofundador y presidente de la Sociedad Nacional de Bellas Artes, fundada en 1918. Se inició en el arte mientras cursaba sus estudios secundarios en el Liceo de Hombres de Valparaíso, donde fue alumno de Juan Francisco González en la asignatura de Dibujo. En 1893 continuó su formación artística en la Academia de Bellas Artes, con los maestros Cosme San Martín y Pedro Lira, haciéndose conocido rápidamente en los salones de pintura por la calidad de sus obras.

 

En 1901 viajó a Estados Unidos como comisario del envío chileno a la Exposición Panamericana en Buffalo. A su regreso recibió una beca del gobierno para continuar sus estudios en París, donde se hizo cargo de la Academia del maestro F. Humbert, siguió clases con Jean Paul Laurens y fue aceptado en el Salón de la Sociedad de Artistas Franceses. Al estallar la Primera Guerra Mundial (1914) retornó a Chile.

 

Sus obras, se mueven entre el naturalismo como análisis compositivo de la naturaleza, y representación impresionista, apoyada en la técnica del plen air y la captación de la luz nartural sobre el paisaje y los objetos, abordando temáticas como el retrato, principalmente femenino y naturalezas muertas.

 

Hacia 1915 abandonó la pintura para dedicarse a la docencia. En este periodo desarrolló además una activa participación gremial. En 1947, en votación dividida, recibió el Premio Nacional de Arte, mención Pintura.

Camilo

Mori Serrano

 

(Valparaíso, 24 de septiembre de 1896 - 7 de diciembre de 1973)

 

Fue un destacado pintor chileno, integrante del Grupo Montparnasse. En 1914 ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde fue alumno de los pintores chilenos Juan Francisco González y Alberto Valenzuela Llanos, y del maestro español Fernando de Álvarez de Sotomayor.

 

Viajó por primera vez a Europa en 1920, estableciéndose en París, para frecuentar talleres y academias libres en el barrio de Montparnasse. Durante su estadía conoció al pintor Juan Gris y la obra de Paul Cézanne (1839-1906), que lo marcaría profundamente y se convertiría en una de sus mayores influencias. También se vinculó con otros artistas e intelectuales chilenos, como Luis Vargas Rosas, Henriette Petit, Julio Ortiz de Zárate y Juan Emar (1893-1964), con quienes formó en 1923 el Grupo Montparnasse, colectivo que proclamaba la autonomía del arte, el abandono de la imitación de la realidad y una representación plástica basada en el enfoque racional del cubismo, con la variedad cromática del Fauvismo y una pincelada gruesa y rápida.

 

En 1928 fue nombrado Subdirector del Museo Nacional de Bellas Artes, cargo que abandonó un año después para regresar a París, junto a un grupo de profesores y estudiantes enviados para continuar sus estudios; los que posteriormente conformarían la llamada Generación del 28. En este periodo, se relacionó con la Escuela de París y con los cubistas Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963). Desde 1937 se radicó por dos años en Estados Unidos, donde se hizo cargo del Pabellón de Chile en la Feria Mundial de Nueva York de 1939.

 

Durante su carrera, trabajó géneros como el retrato, la naturaleza muerta y el paisaje. Su pintura refleja la influencia de corrientes europeas como el Fauvismo, el Expresionismo y el Cubismo. Más tarde se acercó al Surrealismo, y desde la década de 1950 exploró el arte abstracto. Además, incursionó en las artes gráficas y con técnicas como el aerógrafo. 

 

Entre sus obras sobresalen El boxeador (1923), La Viajera (1928) y Autorretrato (1924), de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes.

 

Desde 1933 se desempeñó como profesor de Dibujo y Color en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Chile, fue uno de los fundadores de la Asociación de Pintores y Escultores de Chile (1940) y de la Unión de Cartelistas de Chile (1942).

 

Recibió diversos reconocimientos entre ellos sobresale y el Premio Nacional de Arte mención Pintura en 1950.

José Luis

Perotti Ronzoni

 

(Santiago, 8 de junio de 1898 – 22 de junio de 1956)

 

Fue un pintor y escultor chileno, cofundador del Grupo Montparnasse. Desde pequeño comenzó a desarrollar su interés por el dibujo y el trabajo manual. En 1913 ingresó como alumno libre al taller de fundición de la Escuela de Bellas Artes y cuatro años más tarde, se incorporó al curso de escultura a cargo de Virginio Arias.

 

En 1920 obtuvo una beca de gobierno chileno para viajar a España y estudiar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde fue alumno de Miguel Blay en escultura; de Joaquín Sorolla en pintura y de Julio Romero de Torres en dibujo de vestuario. Un año después se trasladó a París, para estudiar en la Academia de la Grande Chaumière con el escultor Antoine Bourdelle, frecuentando los cursos libres de dibujo en la Academia Colarossi.

 

Regresó a Chile en 1923 y fundó junto a Luis Vargas Rosas, Henriette Petit y Julio Ortiz de Zárate el Grupo Montparnasse, cuya primera muestra se realizó ese mismo año, introduciendo lenguajes artísticos modernos y movimientos de vanguardia parisinos de la época en el contexto nacional.

 

En 1927 fue nombrado profesor del Taller de escultura de la Academia de Bellas Artes y al año siguiente de los cursos de la sección de Artes Decorativas, de técnicas en hierro forjado, encuadernación, afiche y pintura sobre vidrio. En 1930 Perotti asumió como director de la Escuela de Artes Aplicadas, impulsando la enseñanza de las artes decorativas, la investigación y experimentación en las diversas técnicas impartidas por la Escuela.

 

En 1937 junto a Samuel Román e Israel Roa, obtuvo una beca de la Fundación Humboldt para estudiar en Alemania, enfocando sus investigaciones en la cerámica, el esmalte sobre metales y tecnologías de la pintura. A su regreso, creó el curso de esmalte sobre metales.

 

En 1941 fue designado comisario de la Exposición chilena de arte contemporáneo que se exhibió el Museo de Arte de Toledo en Ohio, y en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, entre otros.

Obtuvo diversas distinciones durante su carrera: la primera medalla en la Sección Escultura del Salón de 1919, por su obra El paria y el Premio Nacional de Arte mención Escultura en 1953, transformándose el primer escultor en ganar este reconocimiento.

 

Su obra incluye esculturas, pinturas, dibujos, cerámicas, grabados y esmaltes sobre metales, entre otros. En sus dibujos y esculturas abordó la figura humana, y en sus pinturas el paisaje. En escultura experimentó con diversos lenguajes, destacando la estilización de figuras antropomorfas, incorporando el espacio como elemento compositivo y el trabajo de volúmenes perforados, que denominó “oquedades”.

 

Fue una figura importante para la educación artística. En 1931 participó en la creación de la Asociación de Artistas de Chile, entidad que buscaba la renovación de la enseñanza artística universitaria, organizó los Talleres Libres y apoyó la realización del Salón de los Independientes. Colaboró en la creación del Museo Pedagógico y del proyecto para el Museo de Arte Popular, dependiente de la Universidad de Chile.

José

Caracci Vignatti

 

(Frascati, Italia, 23 de julio de 1887 – Santiago, 11 de diciembre de 1979)

 

Fue un pintor italiano nacionalizado chileno. Llegó a Chile en 1890 junto a su familia, luego de que su padre, arquitecto, fuera contratado por el gobierno de José Manuel Balmaceda. En 1902 inició sus estudios de dibujo y pintura con el maestro Pedro Lira y en 1908 ingresó a la Escuela de Bellas Artes, donde fue alumno de Fernando Álvarez de Sotomayor, estudiando paisaje con Alberto Valenzuela Llanos y croquis con Juan Francisco González.

 

De personalidad tranquila, no participaba de la vida bohemia de los artistas de su época ni le gustaba comercializar sus obras. Se dedicó principalmente a la enseñanza y vivió de lo que ganaba como profesor de dibujo y pintura en establecimientos escolares, universitarios y en forma privada.

 

Inspirado en la región Maule y la ciudad de Constitución, en sus pinturas trabajó principalmente el género del paisaje, caracterizándose por un estilo costumbrista de gran colorido y en la figura humana por el desnudo.

 

Participó de varios salones oficiales y algunas de sus obras forman parte de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo, Museo de Talca, entre otros. En 1956 recibió el Premio Nacional de Arte, mención Pintura.

Benito

Rebolledo Correa

 

(Curicó, 2 de agosto 1880  - Santiago, 29 de junio de 1964)

 

Fue uno de los grandes pintores del arte chileno de la primera mitad del siglo XX. Creció en el seno de una familia humilde de trabajadores rurales y en su adolescencia se trasladó a Santiago, ingresando a la Academia de Bellas Artes, donde fue alumno de Pedro Lira y Juan Francisco González, no obstante, se autodefinió siempre como autodidacta.

 

Participó en diversos salones y hacia 1920 expuso en Argentina, periodo en que recibió el encargo de pintar el cielo de la nave central de la Iglesia San Agustín de Santiago y para restaurar las pinturas del plafond del Teatro Municipal.

 

Durante su trayectoria abordó diferentes géneros y temáticas como naturalezas muertas, retratos, costumbres y personajes del mundo popular, destacando su especial interés por la representación de niños, niñas y de escenas a orillas del mar, en las que sobresale su estudio de los efectos de la luz sobre objetos, cuerpos y superficies. Se caracterizó por la práctica de la pintura al aire libre y su obra fue asociada al impresionista español Joaquín Sorolla, no obstante, el artista se esforzó por desarrollar un estilo personal e independiente.

 

En su juventud adhirió a la Colonia Tolstoyana. Su interés por temáticas costumbristas y rurales, y su cercanía al profesor y director de la Escuela de Bellas Artes Fernando Álvarez de Sotomayor, llevaron a algunos autores como Antonio Romera a enmarcarlo en la Generación del 13.

 

En 1910 recibió la Medalla de Oro de la Exposición Internacional con que se inauguró el Museo Nacional de Bellas Artes, además de distintos premios y galardones. Su mayor reconocimiento fue el Premio Nacional de Arte, mención Pintura en 1959. 

Samuel

Román Rojas

 

(Rancagua, 8 de diciembre de 1907 - Santiago, 7 de abril de 1990)

 

Fue un destacado escultor chileno, cuya obra se hizo conocida hacia 1930, junto a la figura de Laura Rodig y José Perotti. A los 17 años entró a estudiar escultura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde fue alumno de los escultores Carlos Lagarrigue, Virginio Arias y Baldomero Cabré. Al egresar en 1928 y hasta 1949, se desempeñó como profesor de Escultura y Amoldaje en la Escuela de Artes Aplicadas de esa institución.

 

En 1937 obtuvo la Beca Humboldt para estudiar en la Academia de Berlín, Alemania, donde compartió un taller con José Perotti e Israel Roa, y obtuvo el premio de Honor de la Exposición Internacional con su obra La novia del viento, adquirida por el gobierno de ese país para el Aeropuerto de Tempelhoff. Más tarde, visitó Italia y realizó viajes de perfeccionamiento a Estados Unidos, Brasil, Argentina y Venezuela.

 

A su regreso a Chile en 1939, fue Consejero Técnico del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago y en 1943, con el apoyo de Pablo Neruda, creó la Escuela de Canteros Pedro Aguirre Cerda, con el objetivo de perfeccionar y difundir la técnica del tallado en piedra; un año más tarde y hasta 1974 fue miembro del Consejo de Monumentos Nacionales.

 

En 1958 fue nombrado Miembro Académico de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, y en 1964 recibió el Premio Nacional de Arte mención Escultura. Más tarde visitó Alemania, Bélgica, Austria, Italia y la Unión Soviética.

 

Una de sus obras más conocidas es el Homenaje al espíritu de los fundadores de la Universidad de Concepción, inaugurado el 7 de enero de 1966, escultura monumental en bronce, que honra a los creadores y fundadores de esa casa de estudios superiores.

 

Entre 1971 y 1974 fue designado Presidente de la Comisión de desmontaje y reubicación de monumentos públicos durante la construcción del Metro de Santiago.

Laureano M. Ladrón

de Guevara Romero

 

(Molina, 18 de junio de 1889 – Santiago, 21 de noviembre de 1968)

 

Fue un pintor chileno, integrante de la Generación del 13. Comenzó sus estudios artísticos en Valparaíso, donde fue alumno de Juan Francisco González. Más tarde estudió Leyes y Arquitectura, carreras que abandonó para ingresar a la Escuela de Bellas Artes, donde fue alumno de José Mercedes Ortega, Fernando Álvarez de Sotomayor,  Alberto Valenzuela Llanos, Ricardo Richon-Brunet y Pedro Lira.

 

En 1924, con el dinero obtenido por su primera exposición, viajó a Europa para estudiar las técnicas de pintura al fresco y grabado. Encontró su inspiración en la obra de Paul Cézanne, fue admirador de los artistas cubistas y adhirió a los nuevos movimientos de la pintura francesa. En Dinamarca estudió la técnica del vitral.

 

Regresó a Chile en 1926 para ser profesor de Grabado en la Escuela de Bellas Artes. Trabajó con el pintor Arturo Gordon en los murales alegóricos de la Biblioteca Nacional de Santiago, cuya calidad les valió ser convocados para realizar el conjunto de obras presentadas por Chile en la Exposición de Sevilla 1929, que representan el trabajo y la presencia de la cultura mapuche, ganaron el primer premio y se ubican desde 2001 en la Universidad de Talca. Viajó por segunda vez a Europa junto al grupo de becados de 1928, formando parte de la denominada Generación del 28.

 

En España se interesó por la pintura mural y a su regreso a Chile, en 1932, creó el curso de pintura mural en la Escuela de Bellas Artes, siendo profesor de dicha escuela por más de treinta años.

 

En 1967 obtuvo el Premio Nacional de Arte mención Pintura, convirtiéndose en el único integrante de la Generación del 13 en recibirlo.

Marta

Colvin Andrade

 

(Chillán 22 de junio de 1907 - 27 de octubre de 1995)

 

Fue una de las escultoras más importantes del arte nacional y junto a Lily Garafulic forma parte de la llamada Generación del 40. Inició su carrera artística en Chillán, después de casarse y formar una familia, por consejo de su profesora de dibujo Noemí Mourges, quien la motivó a trabajar con greda. Más tarde, junto a otras dueñas de casa formó el grupo de artistas Tanagra, donde practicaban de forma autodidacta la escultura.

 

Tras el terremoto de 1939, se radicó en Santiago e ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde estudió hasta 1945, siendo alumna de los escultores Julio Antonio Vásquez y Lorenzo Domínguez. Entre 1957 y 1972 se desempeñó como profesora titular en esa institución.

 

Entre 1948 y 1949 viajó a Francia, becada en por el Gobierno de ese país, para continuar sus estudios en la Academia Grand Chaumiére, donde se impregnó de las nuevas corrientes escultóricas con las obras de Constantin Brancusi y Hans Arp. Paralelamente, cursó asignaturas de Historia del Arte en el Museo del Louvre y de Estética en la Universidad de París La Sorbonne.

 

Más tarde, entre 1951 y 1953 fue becada por el British Council para estudiar en la Slade School de la Universidad de Londres. Allí conoció al escultor británico Henry Moore y frecuentó periódicamente su taller, donde aprendió a valorar la tradición de la cultura prehispánica. Residió por más de treinta años en Francia, desarrollando allí gran parte de su carrera.

 

La obra de Colvin evolucionó desde la figura humana hacia la abstracción de la naturaleza, trabajando un lenguaje escultórico en torno al volumen y la tensión entre horizontales y verticales, utilizando diversos materiales como piedra, bronce y desbaste de madera, su técnica predilecta. Fue reconocida mundialmente en Europa, Asia y Sudamérica. Por la relevancia de su obra para la historia del arte chileno, en 1970 obtuvo el Premio Nacional de Arte, mención Escultura.

Ana Emma del Rosario Cortés Jullian

 

(Santiago, 24 de agosto de 1895 - 1 de mayo de 1998)

 

Fue una importante pintora nacional, integrante de la llamada Generación del 28. Hija de madre francesa, viajó muy pequeña a París, donde pasó gran parte de su infancia y adolescencia. En 1920 regresó a Chile e ingresó a la Escuela de Bellas Artes donde fue alumna de los maestros Juan Francisco González y Ricardo Richon-Brunet. Cinco años más tarde volvió a París para perfeccionarse en la Academia Grand Chaumiére y en la Academia Colarossi. Un año después, ingresó al taller de André Lothe, pintor francés cercano al Cubismo y cuyas enseñanzas la llevaron hacia el estudio de la estructura y la descomposición de las formas en su pintura. Además, en ese periodo conoció la Escuela de París, un grupo cosmopolita de artistas de vanguardia.

 

En 1928 retornó a Chile y expuso en el Salón Oficial de ese año junto a otros artistas formados en Europa. Se unió a diversos grupos nacionales de vanguardia artística y asistió al curso del maestro ruso Boris Grigoriev, impartido en la Escuela de Bellas Artes. Hacia 1930 se convirtió en la primera mujer profesora en esa institución y en la Escuela de Artes Aplicadas, desempeñándose por muchos años en el cargo, principalmente en el ámbito de la gráfica y el afiche.

 

Viajó nuevamente a Europa entre 1937 y 1938, y en 1950 para continuar perfeccionándose.

 

Si bien su obra pictórica abordó temáticas realistas como paisajes, flores, naturalezas muertas, desnudos y retratos, se inclinó claramente hacia la abstracción geométrica como forma de representación, simplificando formas, prescindiendo de detalles descriptivos y utilizando técnicas como el óleo, pastel y acuarela, a través de colores apastelados que reflejan la influencia de la Escuela de París.

 

Recibió importantes distinciones durante su trayectoria, transformándose en 1974 la primera mujer en obtener el Premio Nacional de Arte, mención Pintura.

Carlos

Pedraza Olguín

 

(Taltal, 31 de diciembre de 1913 – Santiago, 20 de noviembre de 2000)

 

Fue un pintor chileno que perteneció a la llamada Generación del 40, artistas que renovaron la pintura de paisaje en Chile. Ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile como alumno de Jorge Caballero y más tarde fue su ayudante en la cátedra de Pintura. Desarrolló una extensa labor docente, reemplazando como titular al maestro Pablo Burchard. Entre 1954 y 1959, fue Secretario de la Escuela, luego Director y finalmente Decano de la Facultad de Bellas Artes en 1963, cargo que ejerció hasta 1968.

 

En sus pinturas trabajó principalmente temáticas como paisajes y flores, desarrollando un estilo más bien impresionista.

 

En 1977, fue nombrado Miembro de Número de la Academia de Bellas Artes del Instituto Chile y en 1979 recibió el Premio Nacional de Arte mención Pintura.

Mario

Carreño Morales

 

(La Habana, Cuba, 24 de junio de 1913 – Santiago, 20 de diciembre de 1999)

 

Pintor cubano, fue uno de los fundadores de la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile. En 1969 obtuvo la nacionalidad chilena. Inició sus estudios artísticos en 1925 en la Academia de San Alejandro en La Habana. En 1932 viajó a Europa para perfeccionarse en Artes Gráficas en la Escuela San Fernando de Madrid. Dejó España con motivo de la guerra civil y continuó sus estudios en México donde tomó contacto con el movimiento muralista.

 

Recorrió Francia, Estados Unidos y Cuba, donde fue reconocido como pintor, muralista, dibujante, grabador y académico, presenciando diversos conflictos bélicos en Europa y Latinoamérica, que marcarían su vida y carrera.

 

Amigo del poeta Pablo Neruda y casado con la pintora chilena María Luisa Bermúdez, viajó a Chile por primera vez en 1948, invitado para exponer en la Sala del Pacífico.

 

Más tarde, en 1956 recibió una invitación de la Universidad de Chile para dictar el curso "Evolución del Arte Actual", dos años después se radicó en Chile y en 1964 se casó con la pintora Ida González.

 

En 1959, junto a Nemesio Antúnez y otros artistas y arquitectos fundó la Escuela de Arte de la Universidad Católica, ejerciendo como profesor de los Talleres de Pintura hasta el año 1969, cuando fue nombrado Subdirector de dicha Escuela.

 

En 1982 recibió el Premio Nacional de Arte mención Pintura. Durante 2013 en el marco del Homenaje a 100 años de su Natalicio, en el Museo Nacional de Bellas Artes, se creó la Fundación Mario Carreño, liderada por sus hijas, dedicada a la difusión de su obra.

Israel

Roa Villagra

 

(Angol, 28 de mayo de 1909 – Santiago, 13 de mayo de 2002)

 

Fue un destacado pintor chileno que perteneció a la llamada Generación del 40. Desde muy joven desarrolló interés por la pintura y a los 13 años presentó su primera exposición. En 1926 viajó a Santiago, contra la voluntad de sus padres, para rendir el examen de ingreso a la Escuela de Bellas Artes, donde es admitido como estudiante libre y siguió clases de dibujo con Ricardo Richon Brunet, escultura con Carlos Lagarrigue y Virginio Arias y pintura con Juan Francisco González, quien además se convirtió en su maestro.

 

Participó en salones oficiales y exposiciones individuales desde el inicio de su carrera, además de la Exposición internacional del Instituto Carnegie de Pitsburg, Estados Unidos, en 1935. Exhibió su obra en Chile y en el extranjero, destacando su participación en las dos primeras versiones de la Bienal de Sao Paulo (1951 y 1953) y en la primera Bienal de Madrid (1951).

 

Obtuvo la beca Alexander von Humboldt para estudiar en Berlín (1937) y la del Gobierno brasilero, para realizar una estadía en ese país (1944), además de diversos reconocimientos como el Premio anual de la Crítica, otorgado en 1972 por el Círculo de Críticos de Arte en Santiago y el Premio Nacional de Arte mención Pintura en 1985.

 

Trabajó principalmente las técnicas de pintura al óleo y acuarela, resaltando la fluidez de sus trazos gruesos y definidos, las pinceladas ondulantes y superpuestas, y la exaltación del color. Abordó temáticas como paisajes, escenas costumbristas, retratos y naturalezas muertas.

 

Desarrolló paralelamente una carrera como docente; en 1935 fue ayudante del curso de pintura mural de Laureano Guevara y en 1939 creó la cátedra de Acuarela en la Escuela de Bellas Artes, que dirigió hasta 1969.

 

Es considerado integrante de la Generación del 40, aunque nunca se sintió parte de esa clasificación.

Roberto Sebastián

Matta Echaurren

 

(Santiago de Chile, 11 de noviembre de 1911- Italia, 23 de noviembre de 2002)

 

Más conocido como Matta, es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el último de los surrealistas. Fue arquitecto, pintor, dibujante, grabador, escultor y durante los últimos años de su vida, experimentó también con el arte digital. Aunque se inició en la pintura de forma autodidacta, asistió a los Talleres Libres de la Escuela de Bellas Artes, donde fue alumno del pintor Hernán Gazmuri. Estudió arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile y, luego de titularse, viajó a Europa en 1935. Durante su estadía en Portugal conoció a Gabriela Mistral, quien era cónsul en ese país y lo alojó por tres meses en su casa. Posteriormente se trasladó a París donde trabajó como aprendiz en el taller del arquitecto y urbanista suizo-francés Le Corbusier.

 

En España conoció a Federico García Lorca y a Salvador Dalí, quien le sugirió mostrar sus dibujos a André Breton, considerado el padre del Surrealismo. Breton valoró su trabajo y lo introdujo en el movimiento surrealista de París. En este período se relacionó con importantes artistas europeos como Pablo Picasso y Marcel Duchamp. En 1938, se unió a los surrealistas, pasando del dibujo a la pintura al óleo, técnica que lo hizo famoso. En enero de ese año participó en la gran exposición internacional que se inauguró en París.

 

Un año más tarde, con motivo de la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a New York, donde residió hasta 1948. En este periodo su pintura, influenciada por los crudos acontecimientos de la guerra, se caracterizó por patrones difusos de luz, líneas gruesas y el uso de imágenes de máquinas eléctricas y personajes atormentados, reflejando el estado de la política internacional y una visión crítica sobre el avance científico-tecnológico. En esta etapa, su obra asume la forma de una denuncia sobre el respeto por el hombre y su humanidad. Comienza a pintar enormes lienzos, abarcando la dimensión física del espacio y la mente del ser humano, basándose en la metafísica del ser, creando una nueva concepción del espacio.

 

Entre 1949 y 1954 residió en Roma y presentó sus primeras exposiciones individuales: en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres y en diversas galerías de Venecia, Chicago, Roma y en la Universidad de Washington. En 1956 recibió el encargo de un mural para la Unesco en París y ese mismo año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una retrospectiva de su obra. En 1964 expuso en Cuba y participó en la XXXII Bienal de Venecia. Un año después presentó su famosa exposición El Cubo Abierto, en Lucerna, Suiza.

 

Desde 1967 se radicó en Tarquinia, Italia y durante los años 70 se acercó a las influencias latinoamericanas y al uso de figuras antropomorfas. En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte mención Pintura; en 1992, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes de España;  en 1995, el “Praemium Imperiale” en la categoría Pintura de Japón y en 1997 Premio a la Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral.

Sergio Raimundo Montecino Montalva

 

(Osorno, 17 de enero de 1916 – Santiago, 14 de noviembre de 1997)

 

Fue un destacado pintor, escritor y crítico de arte chileno que perteneció al Grupo de los Cinco. Antes de dedicarse a la pintura, estudió tres años Derecho en la Universidad de Chile. En 1938 ingresó a la Escuela de Bellas Artes de esa casa de estudios, donde fue alumno de los maestros Israel Roa y Augusto Eguiluz, quien le inculcó las enseñanzas sobre la pintura de Cézanne y los postimpresionistas franceses. Además, fue ayudante de Camilo Mori en los Talleres de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Chile.

 

Obtuvo diversas becas que le permitieron perfeccionarse en el extranjero. En 1944 viajó a Brasil, en 1956 a Italia y en 1970, participó en un intercambio en la Universidad Karl Marx, de Leipzig en Alemania.

 

Desde 1957 y por más de treinta años, se desempeñó como profesor de la Cátedra de Dibujo de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, formando a destacados artistas nacionales.

 

Fue también escritor, comentarista cultural y crítico de arte, realizando publicaciones, en revistas como Pro Arte, de la cual fue fundador. En 1970 publicó Pintores y Escultores de Chile y en 1987, Entre Músicos y Pintores. En 1993 recibió el Premio Nacional de Arte Plásticas.

 

Durante su carrera trabajó principalmente la pintura al óleo y la acuarela, abordando la temática del paisaje, especialmente del sur de Chile. Representó escenas de campos con perspectivas aéreas, manchas, trazos veloces y colores puros. Le dio importancia a la materialidad, la gestualidad y el uso simbólico del color en el lenguaje plástico, característica de la Escuela Francesa presente en los pintores chilenos de la época y que habían expuesto en el Salón Oficial de 1941, que más tarde agruparía en la denominada Generación del 40.

Lily

Garafulic Yancovic

 

(Antofagasta, 14 de mayo de 1914 - Santiago, 15 de marzo de 2012)

 

Es una de las escultoras más importantes de la historia del arte nacional. Hija de padres croatas, nació en Antofagasta, pero su familia se trasladó a Santiago en 1919. En 1934 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde estudió Dibujo en los Talleres Libres con el pintor Hernán Gazmuri, y fue alumna del escultor Lorenzo Domínguez, maestro de espíritu crítico y rebelde que fomentó en sus estudiantes la libertad creativa.

 

En 1938, al finalizar sus estudios en la Universidad de Chile, junto a los artistas Inés Puyó, Ana Cortés y Marco Bontá viajó a Europa para perfeccionarse. Allí conoció al escultor rumano Constantin Brancusi y al surrealista André Bretón.

 

Fue la primera mujer en presentar una exposición individual de escultura en el Instituto Chileno Británico de Chile. En 1944, luego de obtener una Beca Guggenheim, se radicó en New York, donde estudió escultura en la New School of Social Research y grabado en el Taller 17 con William Hayter. Un año después regresó a Chile y realizó una de sus obras más conocidas: los 16 Profetas (1946), para la Basílica de Nuestra Señora de Lourdes en Santiago, conjunto que se compone de 16 esculturas de los profetas bíblicos, ubicados a más de 50 metros de la superficie y esculpidos en un estilo románico francés, de líneas muy depuradas.

 

Su obra se caracterizó por una persistencia en la autonomía de los medios y el lenguaje de la escultura, concentrada en la exploración de las formas a través del juego de volúmenes generado por el contraste entre las superficies curvas y rectas.

 

En 1947 fue becada por la Universidad de Chile, para viajar a Europa y Medio Oriente a estudiar la técnica del mosaico. A estos viajes de estudios, se sumaron otros a Perú, Bolivia e Isla de Pascua. A su regreso, en 1951, se integró como profesora titular de la Cátedra de Escultura en la Universidad de Chile.

 

En 1957 fue nombrada representante de Chile ante la UNESCO en la Asociación Internacional de Artes Plásticas y dos años después, Presidenta del Comité Organizador delnTercer Congreso Regional de Artes Plásticas, patrocinado por las Naciones Unidas y la Universidad de Chile. En 1973 se convirtió en la primera mujer en ser nombrada Directora del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, cargo que ejerció hasta 1977.

 

Entre las distinciones y premios que obtuvo durante su carrera, destacan el Premio de la Bienal de Sao Paulo (1953); el Premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile, al Artista Plástico del año (1985) y el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1995.

Sergio

Castillo Mandiola

 

(Santiago, 13 de mayo de 1925 – 19 de agosto de 2010)

 

Fue un escultor chileno de la llamada Generación del 50. En 1942 ingresó a estudiar Arquitectura en la Universidad Católica, carrera que abandonó dos años después para concentrarse en el arte. Viajó a Europa en 1948 para perfeccionarse en la École de Beaux Arts y en la Academia Jullian de París en pintura y dibujo. Regresó a Chile en 1954 y se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Sus profesores fueron los escultores Julio Antonio Vásquez y Marta Colvin. Continuó sus estudios en Europa y en el Art Student League de Nueva York, Estados Unidos.

 

En 1964 realizó la primera escultura abstracta emplazada en un lugar público en Chile, ubicada inicialmente frente al Banco A. Edwards en la ciudad de Viña del Mar. Tres años más después fue nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y en 1968 obtuvo la beca Fullbright, como Profesor Visitante de la Berkeley University en California, Estados Unidos.

 

En 1975 formó parte del cuerpo de docentes de la Universidad de Boston, dictando un Taller de Escultura directa en metal.

 

Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente; en 1995 fue nombrado Miembro de Número de la Academia Chilena de Bellas Artes del Instituto de Chile y en 1997, recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

 

Desde 2003 fue Miembro de Número de la Academia de Bellas Artes del Instituto Chile.

José

Balmes Parramón

 

(Cataluña, España 20 de enero de 1927 - Santiago, 28 de agosto de 2016)

 

Fue un importante pintor chileno de origen español. Incursionó en la pintura desde los nueve años. En 1939, con motivo de la Guerra Civil Española, se trasladó junto a su familia a Francia para embarcarse en el “Winnipeg”, arribando a Valparaíso el 4 de agosto de 1939.  A los 16 años ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde fue alumno de los pintores Pablo Buchard y Camilo Mori, egresando en 1949. Durante este período fue miembro activo del Grupo de Estudiantes Plásticos junto a otros artistas de su generación como Eduardo Martínez Bonati, Gracia Barrios, Gustavo Poblete y Guillermo Núñez, entre otros.

 

En 1947 obtuvo la nacionalidad chilena y en 1952 se casó con la también pintora Gracia Barrios. Hacia 1960, luego de un viaje de formación artística por Francia e Italia fundó el Grupo Signo, compuesto por Barrios y los artistas Alberto Pérez y Eduardo Martínez Bonati; el colectivo buscaba la experimentación en el arte a través del Informalismo, movimiento que se caracterizó por la abstracción no figurativa y el uso de diversos materiales sobre la tela.

 

Fue profesor de pintura de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile entre 1950 y 1973, director (1966-1972) y Decano de la Facultad de Artes de esa institución desde 1972 a 1973, año en que partió en exilio a París, acompañado de su familia. Allí ejerció como profesor de pintura asociado de la Unité de Formation et de Recherche Arts Plastiques et Sciences de l'Art de l'Université París I Pantheon, La Sorbone, entre 1974 a 1985.

 

En 1986 regresó a Chile y se integró como profesor de pintura de la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile, presidiendo dos años más tarde la Asociación de Pintores y Escultores de Chile. Fue Docente de la Universidad Finís Terrae de Santiago y en 1997 participó como Miembro de la Comisión Asesora Presidencial en Materias Artísticas y Culturales. Entre 2006 y 2010 fue director del Museo de la Solidaridad Salvador Allende.

 

Durante su carrera recibió muchas distinciones, siendo una de las más importantes el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1999.

Su obra se inspira en el acontecer político y social de Chile y Latinoamérica. En sus inicios se acercó al Informalismo, utilizando en sus pinturas el gesto pictórico como medio de expresión, para volcarse más tarde hacia la técnica del collage y el uso de materiales diversos.

Rodolfo

Opazo Bernales

 

(Santiago, 8 de marzo de 1935 - 27 de junio de 2019)

 

Fue un pintor y grabador chileno, que formó parte del Taller 99. A los 18 años ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, egresando en 1957. Más tarde, comenzó sus estudios de grabado en el Taller 99, permaneciendo solo un año, ya que emprendió un viaje a Italia para conocer el arte europeo. En 1961 fue becado por la Unión Panamericana para estudiar Arte en el Pratt Graphic Art Center de Nueva York.

 

En 1963 regresó a Chile para incorporarse como profesor en la Escuela de Artes Aplicadas y seis años más tarde, en los talleres de pintura de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, hasta 1993. Como docente influyó de manera importante en estudiantes como los pintores Samy Benmayor y Bororo, entre otros que formaron parte de la llamada Promoción de los Ochenta.

 

Su obra, cercana a la corriente surrealista, estuvo siempre ligada a sus experiencias personales y a una reflexión sobre el hombre y la muerte, a partir de la poesía y de autores como Thomas Stearns Elliot y Michel Foucault.

 

Una de sus obras más conocidas es el mural Imágenes de barrio, que pintó en la estación de Metro El Golf y que mide 260 metros cuadrados, ésta refleja las transformaciones sociales y económicas del barrio en que se encuentra.

 

A lo largo de su trayectoria recibió importantes reconocimientos: la Mención Van Buren del Salón Oficial (1959) y el Premio de Adquisición, South American Art Today, Dallas, Estados Unidos (1959), entre otros. En 2001 fue distinguido con el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Juan Gonzalo

Díaz Cuevas

 

(Santiago, 13 de marzo 1947)

 

Pintor, grabador y fotógrafo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile entre 1965 y 1969, obteniendo el grado de Licenciado en Arte con mención en Pintura. Fue alumno de José Balmes, Rodolfo Opazo, Alberto Pérez y Adolfo Couve y desde 1975 es profesor titular de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

 

En 1977 participó en la fundación del Instituto de Arte Contemporáneo, desempeñándose como profesor de pintura. Tres años más tarde viajó a Florencia, Italia, para continuar sus estudios en la Università Internazionale dell’arte, donde compartió con el artista Francisco Smythe. En 1987 obtuvo una beca de la Fundación Guggenheim para desarrollar el proyecto Marcación del territorio o introducción al paisaje chileno.

 

Inició su carrera en la disciplina pictórica, sin embargo, forma parte de una generación que se caracterizó por la búsqueda de lo conceptual en el arte, a través de nuevos soportes y formas de expresión. En sus obras, de fuerte contenido político, combina imágenes y texto, reflexionando sobre procesos históricos y temas como el poder, el lenguaje y la imagen.

 

Irrumpió en la escena artística nacional con su obra "Historia sentimental de la pintura chilena", donde utilizó la icónica imagen de la mujer del detergente Klenzo, reproduciéndola e interviniéndola. A partir de la década de 1980 su trabajo evolucionó, incorporando objetos al lenguaje bidimensional del soporte y emplazándolos en el espacio. Desde ese momento asumió la instalación artística como su forma de reflexionar sobre las operaciones y procedimientos, sobre la condición del arte y sus medios contemporáneos de expansión del lenguaje artístico.

 

Es reconocido internacionalmente y ha expuesto en importantes muestras, como la Bienal de São Paulo (1979) y Documenta 12 (2007), evento de Arte Contemporáneo que se realiza cada cuatro años en Kassel, Alemania. En 2003 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Eugenio

Dittborn Santa Cruz

 

(Santiago 1943)

 

Es una de las figuras más reconocidas del arte contemporáneo chileno a nivel nacional e internacional. Entre 1961 y 1965 estudió dibujo, pintura y grabado en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. En 1966 viajó a Europa y se estableció primero en Madrid, donde ingresó a la Escuela de Fotomecánica, para estudiar litografía, y más tarde se trasladó a Berlín, para continuar sus estudios en la Hochschule für Bildende Kunst. También residió en París, donde asistió a cursos de pintura en la Ècole de Beaux Arts, regresando a Chile en 1972.

 

Entre 1976 y 1980 conformó un grupo de trabajo junto al teórico Ronald Kay y la artista visual Catalina Parra, organizando diversas exposiciones en la Galería Época y publicando textos de arte de carácter experimental bajo el sello editorial V.I.S.U.A.L. Estos trabajos fueron englobados por la crítica de arte Nelly Richard en la llamada Escena de Avanzada, concepto que acuña una serie de acciones artísticas y escriturales realizadas durante el periodo de la dictadura militar.

 

Su obra explora las posibilidades de la impresión, la gráfica y el videoarte, a través de la intervención y resignificación de imágenes provenientes de distintas fuentes, como revistas, fichas policiales, dibujos animados, manuales de artes plásticas, etc... También ha realizado libros de artista y catálogos que exploran la frontera entre visualidad y escritura.  Desde 1984 comenzó a trabajar con las "pinturas aeropostales", reconocidas a nivel nacional e internacional. Éstas consisten en la intervención de superficies de papel y lona a través de la pintura, fotografía, costuras, entre otras técnicas, las que luego son plegadas y guardadas en sobres y enviadas por correo a diferentes lugares del mundo. Al llegar a destino, son abiertas y expuestas, con sus pliegues exhibidos como huellas del viaje realizado.

 

Además, se ha desempeñado como profesor, influenciando a nuevas generaciones de artistas. Estuvo a cargo del Taller de Operaciones Visuales en el Magíster de Artes Visuales de la Universidad de Chile. En 2005 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. Actualmente reside y trabaja en Santiago de Chile.

Luis Guillermo

Núñez Henríquez

 

(Santiago, 27 de enero de 1930)

 

Es un artista chileno de arte contemporáneo. Inició sus estudios en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile en 1949, para continuar en la Escuela de Bellas Artes de esa misma institución, donde fue alumno de los pintores Gregorio de la Fuente y Pablo Burchard, periodo en que integró el Grupo de Estudiantes Plásticos de la Universidad de Chile, colectivo que buscaba cambios en la educación artística.

 

En 1953 viajó a París para perfeccionarse en la Academia Grand Chaumiére y en la Biblioteca del Arsenal y de la Ópera. Allí a Roberto Matta, quien influyó sus primeros trabajos. En 1959 se trasladó a Checoslovaquia para estudiar grabado en la UMPRUM, Alta Escuela de Artes Aplicadas de Praga, becado por el Ministerio de Cultura de ese país.

 

En este periodo viajó por Europa, conociendo artistas, poetas y directores de cine. Luego de una estadía en Nueva York entre 1964 y 1965, regresó a Chile y expuso una serie de dibujos, que abordaban la estética Pop. Realizó portadas para la revista Ercilla y en 1970 se comprometió activamente con la campaña presidencial de Salvador Allende. En este contexto, organizó diversas exposiciones como “El pueblo tiene arte con Allende”, que se presentó en diferentes lugares de Chile.

 

Entre 1971 y 1972 fue Director del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, abocándose a la tarea de acercar al público al museo, a través de exhibiciones y actividades artísticas. Más tarde se radicó en Francia, donde residió durante 12 años, desarrollando varias exhibiciones en diversos países europeos. Regresó a Chile en la década de 1980.

 

Núñez ha explorado distintas disciplinas a lo largo de su carrera: pintura, grabado, serigrafía, fotoserigrafía, gráfica, instalaciones y arte objetual, inspirándose en acontecimientos históricos, guerras, experiencias personales, la violencia y destrucción humana, en todo el mundo.

 

Se ha desempeñado en teatro, ópera y ballet, diseñando vestuario y escenografías en Chile y en el extranjero; además ha realizado películas, afiches y murales con mensajes políticos. Participó en el Teatro Experimental de la Universidad de Chile como colaborador y docente.

 

En 2007 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas y actualmente continúa trabajando como artista visual en Santiago de Chile.

Federico

Assler Brown

 

(Santiago, 24 de abril de 1929)

 

Es un escultor chileno que junto a los artistas Raúl Valdivieso, Sergio Mallol y Sergio Castillo, perteneció a la llamada Generación del 50 e integró el Grupo Rectángulo.

 

Estudió dos años arquitectura en la Universidad Católica de Valparaíso, donde recibió lecciones con Hans Soyka. En 1956, ingresó a los talleres de dibujo de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile.

 

Se inició en la pintura, sin embargo, a mediados de la década de 1960, se interesó por la escultura. Paralelamente, se desempeñó como profesor de escultura y paisajismo y fue director del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile entre 1965 y 1968. En 1995 fue designado Presidente del primer directorio de la Sociedad de Escultores de Chile.

 

Durante su carrera se dedicó a la producción de esculturas de grandes dimensiones en espacios públicos, utilizando su reconocida técnica en hormigón, algunas de las cuales se ubican en Santiago: en el Parque de las Esculturas y en las Torres de Tajamar.

 

En 2009 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Gracia Barrios Rivadeneira

 

(Santiago, 27 de junio de 1927 - 28 de mayo 2020)

 

Fue una importante artista visual chilena, cuya obra es reconocida a nivel internacional. Su padre, el escritor y Premio Nacional de Literatura (1946) Juan Eduardo Barrios Hudtwalcke, la apoyó desde pequeña en su interés por el arte, impulsándola a tomar clases con el pintor Carlos Isamitt y a seguir cursos vespertinos en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde prosiguió su formación entre 1944 y 1949, siendo también alumna de Pablo Buchard y Carlos Pedraza, período durante el cual formó parte del Grupo de Estudiantes Plásticos de la Universidad de Chile. Hacia 1960, con su marido el pintor José Balmes y los artistas Alberto Pérez y Eduardo Martínez Bonati, fue parte del Grupo Signo que, influenciado por el movimiento informalista europeo, promovía la pintura abstracta, expresiva y gestual y el rol político del arte y los artistas en la sociedad. En 1973, partió al exilio junto a Balmes y su hija Concepción, para radicarse en Francia.

 

Su obra explora los problemas políticos y sociales de su entorno, la condición humana y el sufrimiento. En sus primeros trabajos se abocó al dibujo y pintura figurativa, sin embargo, con Signo se acercó al informalismo, la abstracción y la experimentación matérica. Hacia 1970, volvió a lo figurativo vinculado a la contingencia histórica nacional y desarrollando obras de gran formato, con representaciones de multitudes anónimas y de denuncia social. Barrios experimentó con diversas técnicas, principalmente con la pintura, el óleo y acrílico.

 

Destacada a nivel internacional, expuso en Chile, España, Francia, México, Argentina, Japón y Estados Unidos entre otros, siendo premiada en diversos salones oficiales. Recibió importantes distinciones nacionales e internacionales y el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2011.

 

Se desempeñó como docente en diferentes casas de estudio y en 1986, se incorporó como profesora visitante en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile hasta 1993. En la década de los 90, ejerció como profesora de Dibujo en la Universidad Finis Terrae.

Alfredo Antonio

Jaar Hasbun

 

(Santiago, 5 de febrero de 1956)

 

Es un artista visual chileno independiente, que no realizó estudios formales de arte y que reside en Nueva York. Durante su trayectoria ha trabajado diversos medios artísticos como la escultura, el grabado y la instalación.

 

En 1979 estudió Cine en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura en Santiago y dos años después Arquitectura en la Universidad de Chile. En ese periodo entró en la escena artística nacional con su obra Estudios sobre la felicidad (1979-1981), en la que a través de una intervención urbana y la pregunta “¿Es usted feliz?”, buscaba visibilizar: “El rostro del espectador, y hacerlo hablar, sacarlo de su tradicional mudez contemplativa…” (Valdés, 50). El proyecto consistió en la instalación de carteles publicitarios ubicados en distintos puntos de la ciudad, sobre los cuales se leía esta interrogante, escrita anónimamente con letras negras sobre un fondo blanco. Se desarrolló en el espacio público y duró tres años, durante los cuales el artista utilizó diversos niveles de interpelación al espectador: encuestas callejeras, videos, votos, fotografías y publicidad.

 

Jaar describe la experiencia con estas palabras: “Quería explorar de la manera más poética posible los límites de lo que se podía hacer. Me acuerdo que estábamos en plena censura, y peor, en autocensura…Me propuse jugar con eso: qué se puede decir, hasta dónde se puede decir, y cuál es la manera más poética en que lo puedo hacer. Que sea casi intocable.”

 

En 1982 ganó la Beca Fundación del Pacífico y se radicó en Nueva York, Estados Unidos, desarrollando una destacada trayectoria internacional.

 

Una de sus obras más destacadas y reproducida es “Un logo para América”, que realizó en 1987, luego que un grupo llamado Public Art Fund lo invitara a desarrollar una intervención audiovisual de 60 segundos, cada seis minutos, en la pantalla del Times Square, en el centro de Manhattan, Nueva York. Jaar presentó una secuencia de tres animaciones que comenzaba con el texto “This is not America” (Esto no es América) sobre la silueta del mapa de Estados Unidos; luego, sobre la imagen de la bandera estadounidense aparecía la frase “This is not American flag” (Esta no es la bandera americana); finalmente, emergía la palabra “AMERICA”, donde la “R” tomaba la forma del continente americano. La secuencia se repitió durante un mes, con la frecuencia de un aviso publicitario.

 

La crítica y teórica Adriana Valdés, quien trabajó con Jaar desde sus inicios, describe sus trabajos de este periodo: “Este gesto de atraer los rostros y las figuras del “afuera” se repite en muchas de sus obras de esa época, y los que aparecen están en distintas partes del mundo, en los distintos focos del dolor y de conflicto que en gran medida hacen posible cualquier aislamiento aséptico…” (50).

 

En 2000 se le distinguió con el Mac Arthur Fellowship Grant y recibió la Winton Chair for Liberal Arts por la Universidad de Minnesotta en Estados Unidos, reconocimiento entregado a académicos que han desarrollado investigaciones destacadas en el campo de las artes.

 

Sus obras se caracterizan por un fuerte sentido crítico y de denuncia, abordando temáticas relacionadas con crisis sociales, políticas y geográficas del mundo. Ha participado en las bienales de Venecia (1986, 2007, 2009 y 2013) y Documenta de Kassel (1987 y 2002); y ha expuesto en galerías y museos del mundo, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Guggenheim de Nueva York; el Museo de Arte de Sao Paulo (Brasil); el Centro Georges Pompidou de París (Francia); el Museo Stedelijk, en Amsterdam (Holanda); entre otros.

 

Por su reconocida trayectoria internacional, en 2013 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Roser

Bru Llop

 

(Barcelona, 15 de febrero de 1923 - Santiago 26 de mayo 2021)

 

Es una destacada pintora y grabadora chilena de origen español. Tras el fin de la Guerra Civil Española y el comienzo de la dictadura Franco en 1939, su familia se embarcó en el “Winnipeg”.  Luego de su arribo a Santiago, Bru ingresó a la Escuela de Bellas Artes, realizando estudios libres de acuarela, dibujo y pintura, con Pablo Burchard e Israel Roa. En 1948 adhirió junto a otros artistas al Grupo de Estudiantes Plásticos. En 1957 ingresó al Taller 99, especializándose en técnicas de grabado.

 

Entre 1964 y 1968 se desempeñó como profesora de Dibujo y Pintura en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Durante su carrera trabajó las técnicas de pintura, dibujo y grabado, elaborando imágenes que conjugan elementos de su vida personal, la historia sociopolítica y la historia del arte, abordando temas como la muerte, la memoria y la asociación entre el pasado y el presente. Influenciada por el informalismo del español Antoni Tàpies, a quien conoció en 1958 en Barcelona. En sus inicios exploró la expresión matérica sobre la tela.

 

Su trabajo se puede dividir en dos etapas: la primera (1960-1973), que Adriana Valdés denomina “Materias”, influenciada por la obra de Antoni Tàpies y por sus viajes a Barcelona; por la representación de figuras humanas monumentales en trazos simples, y un segundo momento (1973- 1988), llamado “Desmaterializaciones”, en que las pinturas se transforman en lo opuesto: grandes cuerpos sin mirada que oscilan hacia la esfumatura, ausentes y transparentados. Desde 1988 su obra combina ambos periodos, incorporando nuevos temas y técnicas como documentos, fotografías, etc.

 

Ha participado en numerosas exposiciones en Chile y en el extranjero, siendo destacada en el arte nacional. En 2015 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Paz

Errázuriz Körner

 

(Santiago, 2 de febrero de 1944)

 

Fotógrafa autodidacta, en 1966 cursó estudios en Educación en el Cambridge Institute of Education de Inglaterra y en 1972 obtuvo una Licenciatura en Educación Básica en la Pontificia Universidad Católica de Chile, realizando sus primeras fotografías para publicaciones sobre educación.

 

En 1980 expuso en el Instituto Chileno-Norteamericano de Cultura e inició su actividad en fotografía periodística en distintos medios como la revista Apsi y la Vicaría de la Solidaridad. Fue cofundadora de la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI) y en 1993 cursó estudios en el International Center of Photography de Nueva York.

 

Desde la primera mitad de los años 80, su poética artística se concentró en el género del retrato, utilizando la técnica del blanco y negro, y explorando diversos modos de vida en la sociedad chilena contemporánea. Las imágenes que captura llaman a la observación, al encuentro con las personas a través de fotografías casi sin intervención, estableciendo una estrecha relación con los sujetos retratados, los que son presentados en sus propios contextos de vida como hospitales, manicomios y prostíbulos. En sus obras saca a la luz a las personas excluidas de la normalidad, ajenos al entramado social imperante, oficializando su figura como obra de arte, haciéndolos entrar en el sistema mediante un gesto que imprime la imagen del sujeto en la memoria. Su obra se organiza en series temáticas que abordan realidades, haciendo visibles a estos sujetos marginales de los cuales la sociedad no se percata.

 

Entre sus series destacan: El combate contra el ángel (1987) dedicada al mundo del boxeo; La manzana de Adán (1990), sobre las condiciones de vida de travestis y transformistas chilenos; El infarto del alma (1992-1994) aborda imágenes de parejas en el hospital psiquiátrico de Putaendo y Los nómades del mar (1991-1995) retrata a los últimos representantes vivos de la etnia kawésqar.

 

Justo Pastor Mellado (1997) describe la poética de Paz Errázuriz como una mirada fotográfica que no retrata sujetos marginados sino más bien grupos de personas amenazadas por una sombra de fragilidad, personajes que se insertan en el límite de la estructura social: los travestis entre la simulación y la diferenciación sexual, los alienados, al límite de la razón, los boxeadores, en el borde del sacrificio corporal en la pose deportiva y los viejos en el límite de la vida

 

Además, ha realizado publicaciones interdisciplinarias, asociándose con escritoras como Diamela Eltit y Claudia Donoso, conjugando visualidad con textos escritos. En los últimos años ha incursionado en la fotografía a color y digital.

 

Su obra está presente en importantes colecciones a nivel mundial, como la Tate Modern Gallery en Londres, el Museum of Modern Art en Nueva York y la colección Daros Latinamerica en Zúrich. Ha expuesto en Chile y en el extranjero, destacando retrospectivas como Un cierto tiempo (1991) en el Museo Nacional de Bellas Artes, Réplicas y sombras (2007) en la Sala de Arte de la Fundación Telefónica y en 2015 en la Fundación MAPFRE en Madrid, año en que fue elegida junto a Lotty Rosenfeld, para representar a Chile en la 56ª Bienal de Venecia.

 

Ha recibido distinciones y reconocimientos como el premio Ansel Adams, del instituto Chileno-Norteamericano de Cultura de Santiago en 1995 y el Premio PHotoEspaña 2015. En 2017 se transformó en la primera fotógrafa en obtener el Premio Nacional de Artes Plásticas. En 1986 se convirtió en la primera mujer latinoamericana en obtener la beca Guggenheim

 

Actualmente vive y trabaja en Santiago de Chile.

Eduardo

Vilches Prieto

 

(Concepción, 12 de diciembre de 1932)

 

Comenzó su trabajo artístico en forma autodidacta en su ciudad natal y muy joven se trasladó a Santiago. En 1958, se integró al Taller 99, donde estudió las técnicas del grabado.

 

Aunque no siguió una educación artística formal, se perfeccionó estudiando pintura con Gregorio de la Fuente y participando como alumno libre en talleres de la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile. Allí conoció a Sewell Sillman (1924-1992), profesor de la Universidad de Yale, Estados Unidos y discípulo del destacado artista de la Bauhaus Josef Albers (1888-1976), quien le sugirió postular a la Beca Fulbright, que se adjudicó en 1960.

 

En 1961 regresó a Chile y se integró como ayudante de la cátedra de dibujo de Roser Bru en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde más tarde ocupó su puesto y se hizo cargo de la línea de grabado, introduciendo un ramo de historia de la disciplina y talleres avanzados en distintas técnicas. Inspirado por Albers, en 1962 creó el curso de Color, una innovación para la enseñanza de las artes visuales en Chile. En el marco de la Reforma Universitaria de fines de los años 60, impartió cursos de grabado para niños en la población Víctor Domingo Silva entre 1970 y 1973.

 

En las décadas de 1960 y 1970, participó en muestras de arte y grabado dentro y fuera del país, como la II Bienal de Grabado en Cracovia, Polonia (1968), en bienales americanas de grabado realizadas en Chile y la Segunda Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano en Puerto Rico (1972), obteniendo reconocimiento local e internacional. Recibió el Premio Altazor en 2008, 2011 y 2012; un homenaje del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes en 2006 y en 2019 el Premio Nacional de Artes Plásticas.

 

Durante su carrera ha trabajado principalmente el grabado, específicamente la técnica de la xilografía, experimentando con formas sintéticas de la cultura popular, acercándose al arte abstracto, pero manteniendo una referencia figurativa con temas cotidianos y familiares. Su uso del color es acotado, produce imágenes monocromas de alto contraste (blanco y negro), que interviene con azul. Desde los años 70, comenzó a explorar la serigrafía, con la que produjo su serie Retratos (1974), que indaga las interacciones entre color y forma. Durante los años 80, abandonó el grabado para dedicarse a la fotografía.

 

Gran parte de su carrera la ha dedicado a la enseñanza del arte. Durante los años 80, en el marco de sus talleres dictados en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile, sus alumnos Carlos Gallardo, Arturo Duclos, Mario Soro y Rodrigo Cabezas, entre otros, produjeron los denominados "desplazamientos del grabado" y que consistían en propuestas que sobrepasaban la noción tradicional de grabado, ensayando sus nuevas posibilidades en el arte contemporáneo. En la década de 1990, su curso de Color influyó una nueva generación de artistas como Mario Navarro, Mónica Bengoa, Carlos Navarrete y Cristián Silva Soura. En 1999 fue reconocido con el grado de Profesor Emérito de esa casa de estudios superiores. También ha realizado docencia en la Universidad de Chile y en la Universidad Finis Terrae.  El artista reside en Santiago de Chile.