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Un espacio abierto
al patrimonio y la cultura

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PREMIO NACIONAL DE MÚSICA

A mediados del siglo XX el Estado chileno decidió otorgar reconocimiento público a los actores que hicieron un aporte trascendente al acervo cultural del país, distinguiéndolos con un premio. El más antiguo en ser instituido fue el Premio Nacional de Literatura, instaurado en 1942, seguido del Premio Nacional de Arte, administrado bajo ese rótulo entre 1944 y 1991. Este último galardón debió agruparse en tres áreas distintas del saber cultural (pintura, música y teatro) para conceder un premio cada tres años. En 1972, no obstante, la Ley Nº 17.595 exigió que la entrega se hiciera cada dos años, lo que fue modificado otra vez en 1992, cuando la Ley Nº 19.169 estipuló que el premio debía separarse en tres áreas independientes y entregarse cada dos años. De este modo, los reconocimientos pasaron a entregarse en calidad de "Premios Nacionales" en las áreas de Artes de la Representación y Audiovisuales, Artes Plásticas y Artes Musicales.

El Premio Nacional de Artes Musicales ha recaído casi siempre sobre músicos de tradición escrita (música selecta o docta), siendo distinguidos principalmente compositores y, en menor medida, intérpretes y directores de diversos estilos o estéticas musicales.

 

Pedro Humberto

Allende Sarón

 

(Santiago, 29 de julio de 1885 - 17 de agosto de 1959)

 

En 1945 se transformó en el primer músico en recibir el Premio Nacional de Arte, mención Música y uno de los más importantes compositores chilenos del siglo XX. Ingresó al Conservatorio Nacional de Música en 1899, donde estudió con los maestros Domingo Brescia, Enrique Soro, Luigi Stefano Giarda y se tituló como Profesor de Violín y Profesor de Armonía y Composición. Entre sus alumnos sobresalen compositores como Alfonso Leng, Carlos Isamitt, René Amengual, Alfonso Letelier, Pedro Núñez Navarrete, Gustavo Becerra, Juan Orrego Salas, Carlos Riesco y Jorge Peña Hen. Este gran semillero de compositores y su destacada participación en la Sociedad Bach e iniciativas como la Asociación Nacional de Compositores, de la que fue fundador y residente, hicieron de él un pilar fundamental de la actividad musical chilena.

 

Fue comisionado por el gobierno de Chile en tres oportunidades, para estudiar las problemáticas de la Educación Musical en otros países latinoamericanos y europeos teniendo la oportunidad de observar las nuevas tendencias de la composición contemporánea y directrices relativas a la metodología y enseñanza. Fue pionero del nacionalismo musical en Chile, desarrollando un estilo y escuela de composición tomados del folclor chileno, uniendo ritmos y sonoridades campesinas.

 

Es uno de los primeros músicos en estudiar en terreno las manifestaciones musicales del pueblo mapuche, lo que se expresa en su amistad con Juan de Dios Ñancu, conocedor y recopilador de la música araucana. También elaboró obras de carácter pedagógico como las “Rondas infantiles”, “Piezas para violín” y “Metodología original para la enseñanza del canto escolar”, entre otras. Dentro de sus composiciones destacan las Escenas campesinas chilenas (1918-1922) para piano solo y el poema sinfónico La voz de las calles (1920) composición en base a pregones callejeros y su concierto para violoncello y orquesta escrito en 1915, el cual mereció un especial comentario del compositor francés Claude Debussy en una carta fechada en 1916.

 

Sus composiciones para piano comprenden las siguientes piezas: Deux préludes (1915), Miniaturas grecques (1918), Doce tonadas de carácter popular chileno (1918-1922), Etudes (1923-1936). Todas ellas editadas en Francia. Cuenta con varias obras inéditas, como sus cuatro sonatas y Sonidos concomitantes (1907). Todas estas composiciones de su juventud constituyen su aprendizaje del oficio. Allende elaboró su lenguaje musical analizando detalladamente algunas obras maestras del pasado, desde Tomás Luis de Victoria y Palestrina pasando por las de J.S. Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Liszt, Schumann, Schubert, Chopin hasta el estudio de sus contemporáneos.

Enrique

Soro Barriga

 

(Concepción, 15 de julio de 1884 - Santiago, 3 de diciembre de 1954)

 

Considerado uno de los primeros sinfonistas chilenos, Enrique Soro realizó sus primeros estudios de piano con Clotilde de la Barra y Domingo Brescia en Armonía y Contrapunto. En 1889 es becado por el Senado chileno para estudiar en el Real Conservatorio de Milán Italia, graduándose en 1904 año en que inicia una reconocida y extensa carrera de pianista de obras del repertorio universal y propias. De regreso a Chile se integró al Conservatorio Nacional como académico de las cátedras de Piano y Composición, entre 1907 y 1928. Fue Director de esa entidad. En ese entonces ya eran conocidas sus composiciones Andante appassionato y Danza fantástica.

 

Fue profesor de Domingo Santa Cruz, Juan Allende-Blin, Nino Marcelli, Héctor Melo, Juan Casanova Vicuña todas personalidades relevantes de la historia musical chilena. Su obra se puede enfocar en la tradición clásico-romántica, con un reconocido estilo lírico. Sus composiciones fueron editadas por Schirmer en Nueva York, Estados Unidos y Ricordi de Milán, Italia. Entre sus piezas más destacadas está el concierto para piano y orquesta en Re Mayor (1919), obra que refleja una particular influencia de la música romántica del compositor ruso Piotr I. Tchaikowsky.

 

En 1948 recibió el Premio Nacional de Artes, mención Música por su obra creativa donde su aporte principal reviste rasgos fundacionales en la historia de la música sinfónica, de cámara y pianística de Chile. En 1950 asumió el cargo de Inspector de la Enseñanza Musical de escuelas primarias.

Domingo

Santa Cruz Willson 

 

(Quillota, 5 de julio de 1899 - Santiago, el 6 de enero de 1987)

 

Su figura representa la columna vertebral de la institucionalidad cultural chilena de la primera mitad del siglo XX. En 1921 se graduó de abogado y dos años más tarde comienza a trabajar en el Ministerio de Relaciones Exteriores y retoma sus actividades culturales e inicia una actividad pública en la Sociedad Bach en 1924.

 

Este año marcó un hito en la historia de la vida musical chilena, pues el rumbo de este organismo señaló la institucionalización definitiva de la actividad musical chilena. En 1927 Santa Cruz fundó en Conservatorio Bach, cuya definición curricular fue la base del posterior Conservatorio Nacional de Música. Así, el 31 de diciembre del año 1929, se fundó en la Universidad de Chile la Facultad de Bellas Artes, de la que llegó a ser decano otorgándole a la música un rango universitario. En 1944 asume el cargo de vicerrector de la Universidad de Chile.

 

Como profesor de Composición del Conservatorio enseñó a una importante generación de compositores, donde destacan Gustavo Becerra, Carlos Botto, Salvador Candiani, Juan Orrego Salas y Silvia Soublette.

 

En 1951 recibió el Premio Nacional de Arte, mención Música, por su gran capacidad gestora y emprendimiento, para lograr nuevas metas en el campo de las políticas culturales. Este reconocimiento, sin embargo, dejó en el olvido el estudio y conocimiento de su música, de la cual se conocen pocos trabajos de envergadura, casi todos influidos por el estilo neoclásico.

Próspero

Bisquertt Prado

 

(Santiago, 8 de junio de 1881 - 2 de agosto de 1959)

 

Es uno de los más destacados e importantes compositores chilenos del siglo XX, pertenece a la generación de Alfonso Leng y Enrique Soro, quien también fue acreedor al Premio Nacional de Arte (1948). Paralelamente, estudió un tiempo en la Escuela Militar, fue funcionario de la Dirección General de Impuestos Internos y ocasional empresario de industrias mineras, aunque su verdadera vocación siempre tendió a la música, arte en el cual se forma por sí mismo y en el que se ganó un merecido lugar con su ópera Sayeda, (1929) ésta resultó tan exitosa, que el gobierno Ibáñez le concedió una pensión con el propósito de perfeccionar sus conocimientos musicales y promover sus creaciones en todo el país.

 

Dentro de sus obras orquestales está Preludio lírico (1910), Poema pastoril (1918), Primavera helénica, Cuadro sinfónico (1919), Taberna al amanecer, poema sinfónico (1922), La procesión del Cristo de Mayo, cuadro sinfónico (1930), Destino, poema sinfónico (1934), Nochebuena, tríptico para gran orquesta (1935), Misceláneas, suite sinfónica (1936), Dos emocionales para gran orquesta (1940), Juguetería, suite infantil, para orquesta (1943), Obras de cámara: Minueto para flauta y quinteto de cuerdas, Aires chilenos para cuarteto de cuerdas y Concertino para violín y orquesta de cámara, entre otras. Fue uno de los fundadores de la Asociación Nacional de Compositores, establecida en 1936 y sus composiciones de una pluralidad de géneros musicales, lo hizo acreedor del Premio Nacional de Arte, mención Música, en 1954.

Alfonso

Leng Haygus

 

(Santiago, 11 de febrero de 1884 - 7 de noviembre de 1974)

 

Descendiente de familias alemanas e irlandesas, en forma paralela a su formación y actividad musical, destacó en el ámbito científico. En 1909, se tituló de Odontólogo, fundando luego las cátedras universitarias de Periodoncia y Química Fisiológico. En 1945, es nombrado primer decano de la Facultad de Odontología de la Universidad de Chile. Asimismo, fue miembro de instituciones científicas en Estados Unidos, Inglaterra e Italia, e integró las facultades de Odontología de Cuba, Argentina y Perú.

 

Tuvo una activa participación en la escena de la música académica en Chile, durante la primera mitad del siglo XX. Intervino en la reforma del Conservatorio Nacional de Música y en la creación de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile, participó en el Instituto de Extensión Musical de esta casa de estudios superiores, colaboró en el diseño de los festivales de música chilena que se desarrollaron desde 1948 en adelante. Perteneció a numerosas instituciones culturales que marcaron hitos en la historia cultural como: Los Diez (1910), la Academia Ortiz de Zárate, la Sociedad Bach (1917-1932) y la Asociación Nacional de Compositores de Chile (1936).

 

En sus composiciones trasmite la influencia wagneriana; el romanticismo alemán se hace presente con fuerza en sus obras sinfónicas, mostrando una construcción sonora de gruesas texturas con altos niveles expresivos y dramáticos, como puede observarse en su poema sinfónico La muerte de Alsino (1922). Ocupan un lugar destacadísimo, también, sus Doloras (1914), cuatro obras para piano imbuidas del mismo espíritu. Sin embargo, también es posible apreciar en su música reminiscencias de la escuela francesa del impresionismo. Cabe destacar su interés por el lied (canción lírica) a través del cual musicalizó poemas de autores franceses, alemanes y chilenos. En reconocimiento a su labor musical, en 1958 obtuvo el Premio Nacional de Artes, mención Música. 

Acario

Cotapos Baeza 

 

(Valdivia, 30 de abril de 1889 - Santiago, 22 de noviembre de 1969)

 

Las primeras tentativas de Acario Cotapos en la creación artística no fueron musicales sino literarias, en el campo teatral. En tanto, es un compositor de formación autodidacta cuya creatividad y espíritu experimental le valieron ser considerado como uno de los precursores de la vanguardia musical chilena, posee un legado de más de 40 piezas.

 

Se insertó además, en el cenáculo artístico-literario de la época, haciendo gala de un sorprendente histrionismo y entablando relación con personajes como Federico García Lorca y Ramón del Valle-Inclán, con lo que nutrió su espíritu. Su forma de creación negó todas las escuelas estilísticas y reconoció solo el trabajo del individuo, como puede apreciarse en Soledad del hombre (1930) y, especialmente, en el Cuarteto de cuerdas Dionisyos (c. 1925). Trabó amistad con personajes del mundo musical, entre los que se contaban Alfonso Leng, Alberto Garcia Guerrero y Carlos Lavín. Del primero, recibió consejos técnicos para acrecentar sus rudimentos composicionales y, de los otros, un aventón hacia el conocimiento de la música de vanguardia de la época. Se incorporó al grupo de Los Diez, donde conoció a importantes personalidades del medio musical, entonces inspiradas por la senda wagneriana-impresionista.

 

En 1916 viajó a Estados Unidos y en 1923 el pianista chileno Juan Reyes interpretó en Filadelfia su Sonata Fantasía para piano. Esta obra fue grabada por el sello "Camden" con el mismo intérprete. En Francia estrenó su primera obra sinfónica, los Cuatro Preludios, bajo la dirección de Marius Francois Gaillard. La personalidad del músico chileno fue acogida con entusiasmo entre los sectores más avanzados del movimiento musical internacional. Viajero incansable y hombre cosmopolita, residió en Argentina entre 1891 y 1902 y entre 1945 y 1947; en Nueva York (1916-1925), Paris (1925-1934) y en Madrid (1934-1938), volviendo siempre a su país natal, donde recibió el decimoséptimo Premio Nacional de artes Mención Música en 1960.

Carlos

Isamitt Alarcón

 

(Rengo, 13 de marzo de 1885- Santiago, 2 de Julio de 1974)

 

Compositor, profesor, musicólogo y pintor chileno. Estudió en la escuela normal José Abelardo Núñez titulándose de profesor a los 17 años. Luego, prosiguió con su formación artística bajo la tutela de los maestros Julio Fossa Calderón, Pedro Lira y Fernando Álvarez Sotomayor. Al alero de sus enseñanzas, Isamitt fue forjando un estilo que lo llevó a destacar como uno de los pintores que constituyeron la Generación del 13. Tras regresar de París, ciudad a la que viajó comisionado por el Gobierno a la Exposición Universal de 1925, fue nombrado Director General de Educación Artística, cargo en virtud del cual pasó a dirigir el Museo de Bellas Artes, la Escuela de Bellas Artes y el Conservatorio de Música.

 

Su experiencia artística y docente lo convenció de la necesidad de renovar la enseñanza de las artes plásticas en Chile, causa con la que se comprometió activamente, convirtiéndose en uno de los artífices de la fundación de la Escuela de Artes Aplicadas y dando a conocer sus reflexiones en numerosas publicaciones especializadas. En paralelo a su labor docente y a la actividad pictórica, Isamitt retomó los estudios musicales que había emprendido en la infancia, incorporándose como alumno al Conservatorio Nacional de Música, bajo la tutoría de Domingo Brescia. Señeras figuras de la composición nacional como Pedro Humberto Allende y Alfonso Leng lo instaron a perseverar en el campo de la creación musical, donde hasta hoy se le reconoce como uno de los principales compositores nacionalistas.

 

Sus propuestas se caracterizan por ser particularmente eclécticas en lo estilístico y novedosas en lo temático. Hizo de la cultura de los pueblos originarios y del folclor chileno su principal fuente de inspiración. Sus estudios sobre las tradiciones, repertorios e instrumentos musicales del pueblo mapuche figuran entre los más completos realizados y su propia obra creativa se impregnó de estos referentes, hasta el punto de convertirlo en el máximo exponente de la corriente conocida como “indianismo musical”. Integró el núcleo fundador de la Asociación Nacional de Compositores (ANC), creada en agosto de 1936.

 

En 1965 recibió el Premio Nacional de Artes, mención Música.

Alfonso

Letelier Llona

 

(Santiago, 4 de octubre de 1912 - 28 de agosto de 1994)

 

Es considerado uno de los principales artífices del desarrollo de la composición e institucionalidad cultural del siglo XX chileno. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música de la Universidad de Chile con el Profesor Raúl Hügel en piano y Pedro Humberto Allende en Armonía y Composición. Su actividad musical se orientó básicamente a la creación de piezas religiosa y corales (con influencia del canto gregoriano y el canto modal en general), dándole particular importancia a la poesía y el texto como vehículos para la transmisión del mensaje musical, aunque nunca abandonó los formatos grandes (gran orquesta) e intermedios (orquesta de cámara).

 

Tanto su música sinfónica como su música de cámara (para piano y vocal) se mueven con versatilidad entre diversos estilos: el impresionista, de gran riqueza tímbrica y orquestación colorida como Aculeu (1955); el neoclásico, menos común y más cercano a la tradición clásico romántica Divertimento (1955) y el contemporáneo, que incluye algunos procedimientos como el dodecafónico Preludios vegetales (1967-1968), con ciertas libertades técnicas y también las técnicas seriales La alfombra de la vida (1968), entre otras. A pesar de su diversidad estilística, fue básicamente un compositor de estética expresionista, cercano siempre al dramatismo, la hondura, la angustia y la visión profunda y atormentada de la vida que emana desde la metafísica del hombre y de la misma profundidad de la naturaleza.

 

Ocupó muchísimos cargos de importancia durante su vida académica en la Universidad de Chile, fue presidente de la Asociación Nacional de Compositores (1950-1956), miembro de la directiva del Instituto de Investigación Musical (1951 y siguientes), tres veces decano de Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la U. de Chile (1952-1962), director de la Revista Musical Chilena (1957) y vicerrector de la misma casa de estudios, en el período de Juan Gómez Millas (1953-1963). Asimismo, colaboró en la creación de la Escuela Moderna de Música (1940), junto a René Amengual, Juan Orrego Salas y Elena Waiss. En 1966 fue admitido como miembro de la Academia de Bellas Artes. En 1968 recibió el Premio Nacional de Arte mención Música.

Gustavo

Becerra Schmidt

 

(Temuco, 26 de agosto de 1925 - Oldenburgo, Alemania, 3 de enero de 2010)

 

Fue una de las figuras vitales en la renovación de la creación y la formación musical chilena. Abordó todos los tipos de música, incluyendo óperas, sinfonías, oratorios, música electroacústica y colaboraciones con agrupaciones populares. Estudió en la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la Universidad de Chile, especializándose en Composición. Tuvo como maestros a Pedro Humberto Allende y Domingo Santa Cruz. Entre 1953 y 1956 estuvo en Europa estudiando Didáctica de la Composición Musical, además, se desempeñó como profesor invitado en importantes conservatorios en: Italia, Austria, Alemania, Francia y España. En este período escribió su Primera Sinfonía y el Divertimento para Orquesta que se suman a su primera obra, un Concierto para Violín y Orquesta. Escribe, además, su Tercer Cuarteto de Cuerdas y tres obras menores para instrumentos de viento.

 

En el ámbito académico fue director del Instituto de Extensión Musical de la Universidad de Chile (1958-1961) y secretario de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales y Escénicas (1968-1970), este último año fue designado Agregado Cultural de la Embajada de Chile en Bonn, Alemania.

 

Entre otras obras destacan su Concierto para guitarra y grupo de percusión (1990), reescritura de la 3ª Sonata para guitarra (1979). La Cuarta Sonata para guitarra sola (2004) estrenada por Marcelo de la Puebla en Tijuana, México, durante el Festival Hispanoamericano de Guitarra de 2005. En tanto, la Sonata Nº 2 para guitarra sola es probablemente la pieza, para este instrumento, más conocida.

 

A partir de 1974 y durante dos décadas, trabajó en la Universidad de Oldenburgo, Alemania enseñando Análisis, Composición y Teoría General de la Música.

 

En los años 80 incrementa la síntesis de estilos y medios, conciertos para percusión y violoncello aparecen al lado del Oratorio menor para Silvestre Revueltas, piezas mixtas Das schweigen y Dialog, más una serie de creaciones electrónicas y multimediales.

Becerra-Schmidt mantuvo vínculos con intérpretes y entidades musicales chilenas hasta sus últimos días. En sus obras adoptó y aplicó todos los estilos musicales para obtener significados específicos, sintetizando elementos de las músicas popular y académica con estilos históricos y referencias interculturales. En 1971 recibió el Premio Nacional de Arte, mención Música, transformándose en el compositor más joven en recibir esta distinción.

Jorge

Urrutia Blondel

 

(La Serena, 7 de septiembre de 1903 - Santiago, 5 de julio de 1981)

 

Abogado y compositor, es considerado parte de la generación de los fundadores de la institucionalidad musical chilena. Estudió Derecho en la Universidad de Chile, sin dejar de lado la música. Fue discípulo de Andrés Steinfort, Raúl Hügel y Pedro Humberto Allende, de quien recibió su primera formación compositiva. Otro de sus primeros maestros fue Domingo Santa Cruz, impulsor y animador de la Sociedad Bach, en la participó activamente a partir de 1924. En 1928 fue nombrado secretario del Conservatorio Nacional. Ese año recibió una beca que le permitió ampliar estudios en París, donde fue discípulo de Paul Dukas, Vincent d’Indy y Nadia Boulanger. Luego, se perfeccionó en Berlín con Hans Mersmann y Paul Hindemith. En el área académica se inició como profesor de Armonía en el Conservatorio Nacional de la Universidad de Chile.

 

En la década de 1960 asumió como jefe investigador en el Instituto de Investigaciones Musicales de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales, sucediendo a Eugenio Pereira Salas.  Incansable promotor del patrimonio musical chileno, integró el estudio del folclor al campo universitario y coescribió con Samuel Claro Valdés la primera publicación sobre la Historia de la música en Chile (1973). Su labor consistió en la realización de estudios analíticos de la música chilena del siglo XX y de investigación folclórica de las provincias del norte de Chile e Isla de Pascua. Además, escribió críticas y artículos sobre música nacional e internacional para diversas revistas especializadas.

 

Urrutia Blondel comenzó escribiendo con un estilo nacionalista, que luego derivó hacia una mezcla de elementos post-impresionistas y neoclásicos. Aunque tuvo preferencia por la música de cámara. Su obra más famosa fue Pastoral de Alhué, para orquesta (1937), obra en que el impresionismo y folclor la alejan de la tendencia nacionalista típica del arte musical latinoamericano. Dentro de sus obras corales ésta: Música folclórica ritual de La Tirana (1962) y Cantares de Rapa Nui (1958-59) o en sus tempranas Sugerencias de Chile, para piano (1924-26). En 1976 recibió el Premio Nacional de Artes, mención Música.

Víctor

Tevah Tellias

 

(Esmirna, Turquía, 26 de abril de 1912 - Santiago, 3 de febrero de 1988)

 

Director orquestal y violinista de ascendencia greco-judía. Arribó a Chile en 1912, siendo inscrito como ciudadano chileno. Musicalmente despertó al cumplir siete años, cuando asistió, junto a sus padres, a la representación de la opera Madame Butterfly, en el Teatro Victoria de Valparaíso y quedó maravillado con la función. Comenzó a estudiar violín, en 1920, cuando la familia se trasladó a vivir en Santiago. Sus estudios musicales los cursó entre 1921 y 1930, especializándose en violín y música de cámara. Sus altas calificaciones y la obtención del Premio Orrego-Carvallo en 1930, le abrieron las puertas como solista.

 

Entre 1931 y 1932 se perfeccionó en violín en la Hochschüle für Musik de Berlín, volviendo al país para asentarse como profesor del curso Conjunto Instrumental en el Conservatorio Nacional (1932-1938) y como solista de la Orquesta de la Asociación Nacional de Conciertos Sinfónicos, dirigida por Don Armando Carvajal. En 1941 ingresó como ‘concertino’ (primer violín) a la recién creada Orquesta Sinfónica de Chile, pero ya en este periodo su carrera comenzó a definirse, de forma autodidacta, a favor de la dirección orquestal. Dirigió sus primeros conciertos frente a esta misma orquesta en 1941; en 1944 fue nombrado director ayudante y luego alcanzó el grado de director titular (1947).  Tevah fue director de la Orquesta Sinfónica de Chile entre 1947 y 1957, 1962 y 1966, y 1976 y 1986.

 

Es importante destacar un comentario manifestado en varias ocasiones por Víctor Tevah: “por haber ocupado el puesto de concertino, sé cómo sacar buen sonido a las cuerdas”. En 1948 dirigió a Claudio Arrau en los Conciertos de Schumann y Nº2 de Brahms. En 1949, junto a la Orquesta Sinfónica de Chile y el recién formado Coro Polifónico Nacional, estrenó el oratorio El Mesías de Haendel. Desde 1941 a 1980, estrenó 104 piezas de compositores europeos y latinoamericanos y 88 de chilenos.

 

Entre 1961 y 1962 viajó a Buenos Aires, como titular de la Sinfónica Nacional de Buenos Aires Argentina con la que grabó varios discos y de 1966 a 1974, fue director de la Orquesta del Festival Pablo Casals, director de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico y decano y profesor del Conservatorio de ese país. En 1973 dirigió a Luciano Pavarotti en el Teatro Metropolitan de New York. En 1980 recibió el Premio Nacional de Artes mención Música.

Claudio

Arrau León

 

(Chillán, 6 de febrero de 1903 - Austria, 9 de junio de 1991)

 

Muestras de un talento excepcional a muy temprana edad. Su madre, Lucrecia León, profesora de piano, encaminó sus primeros pasos y aprendizajes. Su capacidad fue tal, que a los cinco años realizó su primer concierto en el Teatro Municipal de Chillán. Hacia 1909, completó una serie de audiciones ante congresistas y el Presidente Pedro Montt las que se tradujeron en la entrega de una beca que duró 10 años, para cursar estudios en Alemania.

 

En 1913, a partir del acercamiento que se produjo con Rosita Renard, quien se encontraba estudiando piano en la misma ciudad europea, se vinculó al maestro Martín Krause. La relación entre ambos trascendió el carácter académico.

 

En Berlín dio su primer concierto público y el éxito que alcanzó lo llevó a realizar su primera gira por los principales teatros en Alemania y en todos ellos conquistó al público con sus notables interpretaciones. En París y Viena ejecutó de memoria todo el Clavecín Bien Temperado de J.S. Bach, compuesto de 48 preludios y 48 fugas, hazaña que había intentado Beethoven y que jamás pudo realizar en público.

 

En 1926 obtuvo una cátedra en el Instituto Hern, el más alto plantel de enseñanza musical en Alemania. En 1943, producto de la Segunda Guerra Mundial se trasladó a Estados Unidos, gracias a una gestión de la Embajada de Chile en Alemania. A su llegada recorrió parte del país dando más de treinta conciertos con llenos absolutos. Recibió el gran trofeo “Filadelfia Bowl” y en la ceremonia tocó el “4° Concierto de Beethoven en Sol Mayor”. De acuerdo a la crítica, la interpretación de Beethoven que hacía Claudio Arrau era la mejor del mundo.

 

 El repertorio recurrente de Arrau estuvo conformado por obras de Beethoven, Schubert, Schumann, Liszt, Chopin y Debussy. De autores chilenos solo se podrían contar unas pocas obras de Pedro Humberto Allende, Acario Cotapos y Domingo Santa Cruz. Su vida estuvo marcada por la ausencia de Chile. Hizo fama mundial tocando obras de los mayores compositores europeos, fijó domicilio en Nueva York y realizó viajes constantes por todo el mundo. En 1983 el gobierno de Chile le otorgó el Premio Nacional de Artes, mención Música. Un año más tarde, realizó el que sería su último viaje a Chile, oportunidad en la que ejecutó un gran concierto en el Teatro Municipal de Santiago, el que fue televisado a todo el país.

Federico

Heinlein Funcke

 

(Berlín, Alemania, 25 de enero de 1912 – Santiago, 23 de marzo de 1999)

 

Compositor y periodista. Al finalizar la Gran Guerra su familia se trasladó a Buenos Aires, Argentina. En esa época realizó sus primeros estudios de música: Piano, Teoría, Armonía y Orquestación y continuó, en el Sternsches Konservatorium de Berlín, entre 1929 y 1934. Allí estudió Composición con los profesores Wileheim Klatte y Paul Graener. Simultáneamente cursó Historia de la Música y Musicología con Arnold Schering y Friedrich Blume en la Friedrich Wilhelms Universität, hoy la Humboldt Universität zu Berlín.

 

De regreso a Buenos Aires trabajó como asistente de los maestros Fritz Busch y Erich Kleiber en el Teatro Colón, completando así su sólida formación profesional entre 1935 y 1940. En 1940 viajó a Chile y se avecindó en Viña del Mar, donde enseñaba Interpretación Musical y solía acompañar a diferentes solistas. En 1949 viajó a Inglaterra para perfeccionar sus conocimientos en la Escuela de Verano de Blandford, donde estudió con Nadia Boulanger, Thurston Dart y Anthony Hopkins.

 

En 1950 se dio a conocer como compositor con ocasión del estreno de sus Dos canciones sobre motivos populares; desde entonces numerosas obras suyas se estrenaron en el país, siendo varias de ellas editadas, grabadas y galardonadas en diferentes concursos y festivales. Asimismo, recibió encargo de obras por parte de distintas instituciones e intérpretes chilenos y extranjeros.

 

Dictó diferentes cátedras en las universidades de Chile y Católica y Escuela Moderna de Música, además, ejerció como crítico musical en la revista Pro Arte de Santiago y El Mercurio.  Desde 1957 era miembro del Círculo de Críticos de Arte, del que fue presidente.

 

La música de Heinlein se caracterizó por su eclecticismo, con elementos tomados desde el folclor hasta el serialismo, pero siempre mostró una rigurosa construcción musical. Aunque cultivó la música de cámara y orquestal, prefirió la canción y, de hecho, su catálogo consigna sobre todo canciones, partituras en las que recurrió a poesía de Mistral, Zurita, Machado, entre otros. Se le otorgó la nacionalidad chilena en 1960. Entre otras distinciones, en 1986 recibió el Premio Nacional de Artes musicales.

Juan

Orrego Salas

 

(Santiago, 18 de enero de 1919 - EE.UU., 14 de noviembre de 2019).

 

Arquitecto, musicólogo y compositor. Inició sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música con los profesores: Alberto Spikin (piano) Pedro Humberto Allende y Domingo Santa Cruz (armonía y composición) graduándose en la Universidad de Chile en 1938. Fue beneficiado por la Beca Rockefeller, para estudiar composición en los Estados Unidos con los maestros Randall Thompson, Aaron Copland, Paul Henry Lang y George Herzog en la Universidad Columbia, Nueva York.

 

En 1948 destacó su obra Canciones castellanas elegida por la Sociedad Internacional de Música Contemporánea, para los festivales internacionales de música que se celebraron en Palermo y Taormina, Italia. En 1942 fue nombrado profesor de composición en el Conservatorio Nacional de Música. Fue editor de la Revista Musical Chilena, crítico musical en El Mercurio (1950) y director (1957-1959) del Instituto de Extensión Musical de la Universidad de Chile. En 1959 asumió la Dirección del Departamento de Música de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

 

En 1961 fue nombrado profesor de composición y musicología latinoamericana en la Universidad de Indiana, Estados Unidos donde fundó y dirigió el Centro de Música Latinoamericano. Su legado musical comprende más de un centenar de composiciones, además de una vasta contribución de artículos musicales para diarios, revistas y estudios musicológicos. En 1992 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales.

Margot

Loyola Palacios

 

(Linares, 15 de septiembre de 1918 - Santiago, 3 de agosto de 2015)

 

La tarea de esta artista no tiene paralelo: recopiladora, compositora e investigadora del folclore nacional, se transformó en una de las más puras intérpretes del alma nacional.

 

De su largo caminar canciones y tonadas en todos los tonos y sus cursos en la Universidad de Chile resurgieron sendas de luz y de guitarra en los ballets folclóricos Loncurahue y Pucará y en el grupo Millaray. Posteriormente el Ballet Folclórico Nacional Aucaman (1965) y el conjunto Cuncumén, demostrando que la cultura popular son patrimonio del alma de Chile.

 

Se considera una artista e investigadora de gran talento y relieve. Entre sus investigaciones musicales destacan su estudio de la refalosa y la marinera en Perú y su correlación con la cueca chilena. En Argentina estudió con el musicólogo Carlos Vega, quien se convirtió en su gran maestro en este terreno. Destaca su trabajo sobre el folclor de las más apartadas regiones de Chile, en el que recopiló y asimiló gran cantidad de material. Creó una escuela en torno a los cantos y bailes tradicionales de Chile, convirtiéndose así en una relevante embajadora de la cultura chilena. En 1994 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales 1994. Tras su muerte, el Gobierno decretó Duelo Oficial.  

Carlos

Botto Vallarino

 

(Viña del Mar, 4 de noviembre de 1923 -  Santiago, el 27 de junio de 2004).

 

Cursó sus estudios en el Seminario San Rafael de Valparaíso y más tarde inició su formación en piano, con la maestra Odelia Malfatti. En 1948 ingresó al Conservatorio Nacional de Música donde tuvo como profesores a Gustavo Becerra, Domingo Santa Cruz y Juan Orrego Salas, en composición. En 1955 la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la Universidad de Chile, le otorgó los grados de licenciado en Interpretación Superior con mención en Piano y licenciado en Composición Musical, en los que obtuvo distinción máxima.

 

Fue becado por la Fundación John Simón Guggenheim entre 1956 y 1657, para realizar estudios de postgrado en Nueva York. Entre 1961 y 1968 fue director del Conservatorio Nacional de Música. Ejerció docencia en su especialidad tanto en la Universidad de Chile como en la Escuela Moderna de Música y en el Instituto Interamericano de Educación Musical de la Organización de Estados Americanos. Su trayectoria profesional estuvo marcada por una sucesión ininterrumpida de distinciones.

 

Dejó profundas huellas en varias generaciones de intérpretes, investigadores. En 1996 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales.

Elvira

Savi Federici

 

(Santiago, 19 de marzo de 1920 - 15 de noviembre de 2013)

 

Ingresó al conservatorio Nacional de Música en 1926, donde fue alumna distinguida de los maestros Roberto Duncker, Rosita Renard y Alberto Spikin, con el cual perfeccionó sus conocimientos. En 1938 obtuvo el premio Orrego Carvallo, distinción concedida al mejor alumno de cada año y finalizó sus estudios con el título de concertista en piano. Al año siguiente, formó parte de la planta académica del Conservatorio en calidad de pianista, recibiendo en 1985 su diploma que la acreditaba como profesor titular de la Universidad de Chile, donde se desempeñó desde 1939 a 2003, en virtud de lo cual se le confirió el título de profesora emérita. 

 

Su trayectoria profesional la desarrolló combinando la docencia y su carrera como solista. Se ha presentado en diversos escenarios nacionales y extranjeros. Su excelencia interpretativa de Elvira Savi, en conjunto con su vasta dedicación a la enseñanza de la música, fueron algunas de las razones que consideró la municipalidad de Santiago, para otorgarle el Premio Municipal de Arte 1996. Dos años más tarde se le concedió el Premio Nacional de Artes Musicales, en reconocimiento de su labor como pianista, académica y divulgadora de las obras de compositores chilenos. Dejó un vasto legado a las nuevas generaciones de músicos chilenos.

Carlos

Riesco Grez

 

(Santiago, 23 de diciembre 1925- 20 de mayo de 2007)

 

Estudió Música en la Universidad de Chile, especializándose en composición con el maestro Pedro Humberto Allende. En Francia, fue discípulo de Nadia Boulanger y del compositor argentino Astor Piazzolla. En 1954, el Ballet de France, dirigido por Janine Charrat, le encargó componer un ballet para este conjunto. Así nació Candelaria, obra estrenada en España en el Festival Internacional de Santander, más tarde en Yugoslavia y en 1963 en el Teatro Municipal de Santiago, donde fue incorporada como pieza de repertorio.

 

Otras de sus creaciones fueron Quinteto para Instrumentos de Viento; Rapsodia para piano y Sinfonía de profundis. Perfeccionó sus estudios musicales en Estados Unidos, con David Diamond en composición, Rafael da Silva en piano y Philip James en instrumentación. Participó activamente en los Seminarios de Composición de Tanglewood (es el nombre de una finca donde se celebran conciertos, ubicada en Massachusetts, Estados Unidos), impartidos por Aaron Copland y Olivier Messiaen, respectivamente. A su etapa universitaria pertenecen sus primeras obras: Cuatro poemas de amor, sobre textos de Pablo Neruda, además de varias piezas cortas para piano, una suite para orquesta de cuerdas y las Semblanzas chilenas, para piano.

 

Entre 1950 y 1951 fue secretario técnico del Instituto de Extensión Cultural de la Universidad de Chile y en 1966 se transformó en su director, cargo que desempeñó hasta 1974. También fue miembro de número de la Academia Chilena de Bellas Artes del Instituto de Chile y presidente, entre 1997 y 2000.

 

El año 2000 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales, por su notable trayectoria y la amplitud e importancia de su obra como compositor. 

Fernando

García Arancibia

 

(Santiago, 4 de julio de 1930)

 

Sus estudios de composición los realizó en forma particular con los maestros Juan Orrego Salas, Carlos Botto, Juan Allende-Blin y Gustavo Becerra Schmidt. Sus obras fueron reconocidas internacionalmente y su Historia de la música en Chile fue traducida al ruso en 1968. Además, publicó artículos en numerosas revistas especializadas. En Perú, participó en la creación del Mapa de los instrumentos musicales de uso popular en el Perú (1978). En Cuba, contribuyó de manera significativa a la actividad académica, musical y cultural.  En 1990 regresó a Chile, ligado siempre a la Universidad de Chile, contribuyó con la Revista Musical Chilena, en su calidad de subdirector.

 

Su obra destaca por contribuir a la multiplicidad de propuestas creativas que se hicieron a partir de la década de 1950, en estilos como la música electroacústica y música concreta. Contribuyó notablemente a la revitalización de la música para piano con obras como:  Variaciones (O-19, 1959), Sinfonía (O-24, 1960), Estáticas (O-28, 1963), Urania (O-33, 1965), Firmamento sumergido (O-39, 1968). Además, cooperó con las múltiples propuestas nuevas en géneros y medios no tradicionales de música sinfónica. Por otra parte, obras como Canto a Margarita Naranjo (Antofagasta, 1948) (O-30,1964), Tres canciones para una bandera (O-31,1965), La arena traicionada (11 de marzo de 1966) (O-37, 1967), Romerías (O-38, 1968), Firmamento sumergido (O-39, 1968), Los héroes caídos hablan (7 de noviembre 1917-1967) (O-40, 1968), ¡Cómo nacen las banderas! (1922-1972) (O-44,1972), reflejan el compromiso e impacto de las ideologías renovadoras de la sociedad chilena de esos años. Su estilo de composición está influenciado por los procedimientos del serialismo, la música aleatoria, concreta y el dodecafonismo siendo pionero en muchas de las vanguardias realizadas en Chile.

 

En 2002 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales.

Cirilo

Vila Castro

 

(Santiago, 7 de octubre de 1937- 23 de julio de 2015)

 

Compositor, pianista y pedagogo musical. Comenzó sus estudios a los siete años en el Conservatorio Nacional de Música de la Universidad de Chile, en 1959 obtuvo su licenciatura en Interpretación Musical con mención Piano. En 1954 participó en la orquesta Sinfónica de Chile y tres años más tarde fue galardonado con el premio Orrego Carvallo. Paralelamente, estudió composición con Alfonso Letelier (1954-1958) y Gustavo Becerra (1960-1961). En 1960, gracias a una beca del gobierno italiano, viajó a Roma para estudiar dirección de orquesta en el Conservatorio Santa Cecilia con el profesor Franco Ferrara, continuó su formación con el profesor Pierre Dervauxr en la École Normale de París. Entre 1964 y 1969, tomó clases particulares de Composición Musical con Max Deutsch y Análisis Musical junto a Olivier Messiaen.

 

Su actividad creativa fue variada. En música popular, destacan sus transcripciones de canciones de Víctor Jara compuestas para el grupo Quilapayún. En el ámbito de la música docta compone innumerables obras estrenadas en los principales festivales de música contemporánea del país. Ha escrito para reconocidos intérpretes de la escena nacional como el guitarrista Luis Orlandini, el cornista Edward Brown, el tenor José Quilapi y la pianista Cecilia Plaza, entre otros.

 

Compuso piezas para distintos géneros que abarcan: orquesta, coro, conjuntos de cámara y solistas. Dentro de sus últimas obras destacan: De sueños y evanescencia (2003) para ensamble, estrenada por el Taller de Música Contemporánea de la Pontificia Universidad Católica de Chile, dirigido por Pablo Aranda; Del diario de viaje de Johann Sebastián (2001) para violonchelo y piano y Bodandina con ecos de plata (2001) para dos cornos. También compuso una obra sinfónica titulada Germinal que fue estrenada en 1989 por la Orquesta Filarmónica en el Teatro Municipal de Santiago. Desde 1970 se desempeñó como docente en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

 

En 2004 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales.

Fernando Rosas Pfingsthorn 

 

(Valparaíso, 7 de agosto de 1931 - 5 de octubre del 2007)

 

Director de orquesta y director ejecutivo de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile.  Estudió Licenciatura en Ciencias Jurídicas y Sociales en la Escuela de Derecho de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, de la que egresó en 1953. Durante su estadía, impulsó la creación del Instituto de Arte y del Instituto de Música de la misma casa de estudios superiores. Completó su formación musical en Detmold, Alemania, gracias a una beca del Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD). Luego estudió Licenciatura en Interpretación Musical en la Pontifica Universidad Católica de Chile.

 

En 1960 fundó el Departamento de Música de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso. En 1964, asumió como director del Departamento de Música de esta entidad, durante ese periodo creó la Orquesta de Cámara y la Escuela de Música. Durante 12 años fue director titular de esa orquesta. Además, lideró la primera gira que hizo una orquesta chilena a Europa, a la que se sumó itinerancias por Estados Unidos y América Latina.

 

Entre 1968 a 1970 estudió en la prestigiosa academia musical norteamericana Julliard Schooll, gracias a una beca del Programa Fulbright. En 1976 junto a Adolfo Flores creó la Fundación Beethoven, de la que fue presidente desde 1989 hasta su fallecimiento en 2007. Fruto de la labor de esta organización sin fines de lucro, nace radio Beethoven, una de las pocas en el dial chileno dedicadas exclusivamente al cultivo de la música docta. En enero de 2002 la señal fue vendida a la Pontificia Universidad Católica de Chile, mantenido la línea editorial

 

En 1982 asumió la dirección de la Orquesta del Ministerio de Educación, conocida hoy como Orquesta de Cámara de Chile. En 1994 se creó la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, de la cual fue su director titular hasta 2001. Ese mismo año formó parte de la creación de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile (FOJI). En 2006 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales.

Miguel

Letelier Valdés

 

(29 de septiembre de 1939 - 3 de diciembre de 2016)

 

Hijo de músicos, padre compositor (Premio Nacional de Música 1968) y madre cantante, a temprana edad mostró particular inclinación hacia la música. Estudió Composición Musical a la Universidad de Chile con los profesores Domingo Santa Cruz y Gustavo Becerra y se graduó de Intérprete en Órgano. Luego de perfeccionarse junto al afamado organista Julio Perceval, viajó a Buenos Aires, Argentina, donde se incorporó al Instituto de Altos Estudios Musicales “Torcuato di Tella”.

 

En 1979, asumió como profesor titular de las cátedras de Órgano y Composición de la Universidad de Chile. En 2008 obtuvo el Premio Nacional de Artes Musicales, uniéndose así a su hermana Carmen Luisa Letelier y a su padre. Como intérprete en el órgano, desarrolló una brillante carrera en Chile y en el extranjero, legando una variada de obra musicales, finamente cincelada en equilibrados planos sonoros y tímbricos en cada una de sus composiciones. Como maestro de organistas, compositores y músicos en el Departamento de Música y Sonología de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, formó a numerosas figuras de destacada trayectoria en el país y el extranjero.

Carmen Luisa

Letelier Valdés

 

(Santiago, 20 de noviembre de 1943)

 

Hija del compositor Alfonso Letelier Llona y de la artista Margarita Valdés Subercaseax. Contralto y profesora de canto chilena, cursó la carrera de Pedagogía en Castellano en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde se tituló en 1967 y en 1979 como Intérprete Superior en Canto en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, donde fue alumna de Lila Cerda, Elvira Savi, Federico Heilein, Clara Oyuela y Hernán Wurd. 

 

En 1969 comenzó su carrera docente en el Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ese año se unió al Conjunto de Música Antigua de la Pontificia Universidad Católica creada por Sylvia Soublete y Juana Subercaseux.

 

En 1980 se trasladó al Departamento de Música y Sonología de la Universidad de Chile, donde fue nombrada profesora titular. En septiembre de 2010, obtuvo el Premio Nacional de Artes Musicales, por su trabajo como académica y su destacada contribución a la formación de jóvenes y la amplia difusión de la música de creadores chilenos y latinoamericanos en el país y en el extranjero.

Juan Pablo

Izquierdo

 

(Santiago, 21 de julio de 1935)

 

No hace falta tarjeta de presentación para referirse a un maestro de la talla de Juan Pablo Izquierdo. Su trayectoria lo ha puesto entre los más destacados directores de orquesta del mundo. Estudió composición con los profesores Juan Orrego Salas, Carlos Botto y Juan Allende-Blin, en el Conservatorio de Música de la Universidad de Chile. Posteriormente viajó a Hamburgo, Alemania, donde continuó sus estudios con el director Hermann Scherchen. Fue director del Departamento de Música de la Pontificia Universidad Católica de Chile, desde donde postuló al concurso internacional de dirección orquestal Dimitri Mitropoulos, el que ganó dirigiendo a la Orquesta Filarmónica de Nueva York y convirtiéndose en director asistente de Leonard Berstein.

 

Ha desarrollado una importante trayectoria musical, destacando su trabajo con orquestas estadounidenses, europeas y latinoamericanas. Fue director musical del Festival Testimonium en Jerusalén y Tel-Aviv, Israel, entre 1974 y 1985, periodo en que estrenó importantes obras de compositores contemporáneos como Lannis Xenakis. También fue director titular de la Orquesta Gulbenkian de Lisboa, Portugal, y en 1982 asumió la dirección de la Orquesta Filarmónica de Santiago, cargo en el que permaneció durante cuatro años.

 

En 1990 creó la Orquesta Claudio Arrau en Chile. En tanto, ha dirigido orquestas de Radio en Alemania; las filarmónica Radio Televisión Española, Dresde y Varsovia; las sinfónica de Viena, BBC Glasgow, Ensemble Intercontemporain de París, Nacional de Francia, Nacional de España, Sinfónica de Jerusalén, Cámara de Israel, Nueva Orquesta Filarmónica de Francia y Orquesta de la Residencia de la Haya y los más importantes festivales de música en Europa.

 

Actualmente es director emeritus de la Orquesta Filarmónica Carnegie Mellon de Pittsburgh, Estados Unidos, y Director titular de la Orquesta de Cámara de Chile. En 2012 obtuvo el Premio Nacional de Artes Musicales.

León

Schidlowsky Gaete

 

(Santiago, 21 de julio de 1931)

 

Es uno de los mayores nombres en el panorama de la música contemporánea del siglo XX y se le considera uno de los promotores del vanguardismo en Chile, a través de sus trabajos en el campo del serialismo, la atonalidad, el aleatorismo y la notación gráfica, que llevó a nuevas dimensiones. Seguidor de Arnold Schönberg y de la tradición musical de la Segunda Escuela de Viena.

 

Chileno israelí, realizó sus estudios musicales en el Conservatorio de la Universidad de Chile: piano con el profesor Roberto Duncker (1942 y 1948) y más tarde, composición Juan Allende-Blin y Fré Focke. Entre 1952 y 1954 estudió en la Nordwestdeutsche Musikakademie de Detmold Alemania, una de las más importantes academias para el estudio de la música de vanguardia. En Chile, conformó la agrupación Tonus de la que fue director ente 1958 y 1961. En los inicios de su carrera como compositor utilizó técnicas seriales de sonidos libres, como música atonal, música aleatoria y notación gráfica.

 

En 1963 asumió la dirección del Instituto de Extensión Musical de la Universidad de Chile, organización que durante ese período tuvo un auge significativo. Se ejecutaron por primera vez en Chile una serie de obras musicales, y al menos una obra de un compositor chileno por año. Durante ese periodo, visitaron el país directores, orquestas y famosos solistas famosos lo que generó el enriquecimiento de la cultura musical chilena. En 1964 es miembro del “Jurado para Composiciones” junto a Luigi Dallapiccola y Alberto Ginastera.

 

En 1966 participó en el Interamerican Festival en Washington EEU. En agosto de 2014 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales. Schidlowsky, ha compuesto obras para orquesta, conjuntos de cámara, agrupaciones corales, para instrumentos solistas, piano, violín, violoncello, flauta, guitarra, órgano y cerca de 65 obras musicales.

Vicente

Bianchi Alarcón

 

(Santiago, 27 de enero de 1920 - 24 de septiembre de 2018)

 

Compositor, pianista y director de coros y orquesta. En 1931 ingresó al Conservatorio Nacional de la Universidad de Chile, titulándose como licenciado en Ciencias y Artes Musicales, mención Composición. En 1940 se integró a radio Agricultura, donde formó un octeto profesional. En 1951 aceptó el cargo de director de la Orquesta de la radio El sol de Lima, Perú. Su obra destaca principalmente por llevar a la música los poemas de Pablo Neruda, la musicalización de misas y actos litúrgicos, como la Misa a la chilena (compuesta en 1964 y estrenada en 1965) y el Tedeum (1970-2000), arreglos orquestales, como Música para la historia de Chile y Canto a Bernardo O’Higgins, y arreglos para películas, entre otras. Luego de un período de residencia en Lima, musicalizó el poema “Manuel Rodríguez”, publicado en el Canto General (1950) de Pablo Neruda.

 

El principal aporte musical de Vicente Bianchi yace en la síntesis que ha logrado entre la instrumentación y el sistema tonal de la música docta y las estructuras y melodías del folclor chileno, dando origen a un estilo muy particular. Esta inclinación, lo llevó a estudiar y orquestar refalosas, trotes, villancicos y boleros. Su catálogo musical cuenta con más de 150 obras escritas. Sobresale su participación como arreglador y orquestador de la Pérgola de las flores (1960).

 

Bianchi colaboró activamente en la formación de la Sociedad del Derecho de Autor (SCD). Entre 1989 y 1992 dirigió el Coro de la Universidad de Santiago de Chile. En 2016 presentó Chile fértil, una continuación de su obra Música para la historia de Chile. Entre sus distinciones destacan el Premio al Folclor (1998), la Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral (2002), el Premio a lo Chileno (2004) y el APES a la trayectoria (2008). Después de 17 frustradas candidaturas, en 2016 obtuvo el Premio Nacional de Artes Musicales. Ese año fue homenajeado durante la celebración de Museos de Medianoche realizada por el Museo institucional.

Juan

Allende-Blin

 

(Santiago, 24 de febrero de 1928)

 

Formado inicialmente por su madre, la destacada educadora Rebeca Blin y su tío Pedro Humberto Allende, lo que le permitió tener una sólida base musical. En Alemania se convirtió en uno de los más reconocidos compositores a nivel mundial, en tanto, su música es interpretada por importantes conjuntos y orquestas europeas. No obstante, antes de emigrar se convirtió en pionero en los lenguajes modernistas de la música académica en Chile.

 

Cursó sus estudios superiores en la Universidad Técnica del Estado y con Olivier Messiaen en los cursos de verano en Darmstadt, Alemania. Tras una carrera como académico en su casa de estudios superiores, en 1957 se trasladó a Alemania, donde estableció su residencia.

 

En paralelo, a su trabajo como compositor, ha colaborado con emisoras radiofónicas y realizado diversos programas musicales, dedicados muchos de ellos a la música y los músicos latinoamericanos. Entre las distinciones recibidas en Alemania, destaca el prestigioso premio Karl Sczuka. En 2009 fue distinguido como profesor honorario de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile y en reconocimiento a su trayectoria internacional como compositor, en 2017 recibió la Medalla Rectoral de la Universidad de Chile.

 

En 2018 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales, el cual estuvo rodeado de críticas, producto de su distancia con Chile, aunque Allende-Blin afirma: “el hecho que haya recibido este premio me ha emocionado mucho porque realmente no lo esperaba. Para mí significa que no he perdido mis raíces y que hay una unión entre lo que aprendí en el país de mi nacimiento y lo que he realizado”.

Miryam

Singer González

 

(Iquique, 1955)

 

En 1980 ingresó a la Universidad de Chile a estudiar Canto junto a la maestra Clara Oyuela. Dos años más tarde se recibió de arquitecto en la misma casa de estudios superiores y, a partir de 1983, continuó su formación de canto bajo la tutela de la maestra Betty Boone en Atlanta, Estados Unidos. Entre 1985 a 1988 su aprendizaje prosiguió en Zurich, Alemania junto a Aila Ernst y con Sara Corti en Milán, Italia, en 1989.

 

Debutó en Chile en 1984 con el maestro Juan Pablo Izquierdo y, a lo largo de su carrera, cantó bajo la batuta de los maestros Irwin Hoffman Maximianno, Miguel Patron Marchant, Fernando Rosas, David del Pino, Francisco Rettig, Rodolfo Fischer, Nicolás Rauss, Eduardo Browne y Jaime Donoso.

 

Ha cantado en los más importantes teatros del Chile y el mundo. Sobresale la sala Mali del Conservatorio Tchaikowsky de Moscú, Rusia, y la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York, Estados Unidos. En tanto, el Teatro Municipal de Santiago y el Centro de Extensión Artística y Cultural (CEAC) fueron sus principales casas artísticas por más de 25 años. Se despidió de su carrera de cantante en 2009 con la interpretación de Cuadros de la Colección Privada de Dios, del compositor Aharon Harlap en el Teatro Municipal de Santiago, bajo la batuta del maestro Víctor Alarcón, para dedicarse enteramente a la realización de ópera, la docencia y la gestión de las artes.

 

En 2006 ganó un fondo del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, para realizar un innovador proyecto de incorporación de niños y adolescentes al arte de la ópera; montó La flauta mágica de W. A. Mozart con la generación más joven de cantantes de ópera chilenos y llevó la producción en gira por siete colegios de las regiones Metropolitana y Valparaíso. En las presentaciones participaban los coros de niños de los colegios, que, vestidos y caracterizados, subían al escenario a cantar y actuar su parte en alemán; una experiencia inolvidable, para cerca de 6.000 personas y 200 niños de Enseñanza Básica. En 2008 ganó un fondo del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes que reunió a tres universidades chilenas para la realización del primer Festival de Ópera de Cámara de Chile, al que se suma una serie de proyectos que permitieron a más de 50 mil personas asistir a una ópera en forma totalmente gratuita, a lo largo de todo Chile. 

 

En 2020 recibió el Premio Nacional de Artes Musicales 2020.